Dudas y Razones sobre Dos is…

Entrevista a Alejandra Rodrigo y Jimena Carrillo,
actrices en Justine y Juliette,
adaptación escénica de las obras del marqués de Sade.

Alejandra y Jimena, una función más de Justine y Juliette, obra que han montado junto a Rodrigo Tripp basándose en textos del Marqués de Sade, ¿Cómo están?
A.- Bien, estoy muy contenta de haber regresado a Xalapa con esta obra, veo que sigue habiendo mucho público en Xalapa lo cual me da muchísimo gusto.

J.- Muy feliz, estoy contenta de trabajar con Rodrigo y Alejandra y ya me urgía regresar a la escena, después de esta pausa necesaria regresamos a este foro a dar funciones.

La obra es muy interesante en cuanto a una expresión escénica de textos narrativos, díganme ¿Quién es el Marqués de Sade?
A.- Un humano que se preguntó cosas, justo antes y durante la revolución francesa empieza a contribuir desde sus novelas e intelecto a una revolución de las ideas, un despertar humano respecto a las fantasías, cuestionamientos naturales y la represión que sigue estando vigente. Fue un hombre al que catalogaron como loco, por lo que se vuelve más interesante pues su discurso sigue siendo vigente.

J.- Un ser humano que se dio la oportunidad que muchos reprimimos de hablar de temas tabú que para su época fueron escandalosos, los muestra de una manera brusca pero sincera finalmente.

¿Estos dos personajes que han construido quiénes son?
A.- Juliette es una mujer que creció con reglas estrictas dentro de un colegio religioso y cuando llega la tragedia familiar se separa de su hermana, pero ya antes se había cuestionado sobre sus fantasías, y lo que tienen que ver con la naturaleza y con el pensamiento reglamentado por la religión, ella decide combatir todas esas reglas para vivir únicamente por su felicidad, y cuando transcurre el tiempo empieza a dudar y esto es lo que la vuelve más fuerte para seguir cuestionando, lo más interesante son esos momentos en que cae en la duda, es un personaje que se está cuestionando constantemente.

J.- Justine es una mujer firme en sus convicciones, tuvo la misma educación que su hermana, es una persona creyente que ama a Dios sobre todas las cosas y durante su vida pasa por acontecimientos que le hacen dudar de esa omnipotencia de Dios, y se termina por cuestionar como pueden suceder cosas tan aberrantes si es que hay un Dios, sin embargo, a pesar de todas las cosas que la marcan, se mantiene en esa fe, aparentemente se muestra débil pero dentro de esa fragilidad está la más grande fortaleza de una mujer llena de fe.

¿Hay fuentes o marcos conceptuales de que se hayan alimentando para su construcción tanto en el discurso como en lo visual?
A.- Usamos un poco de ballet, y un poco de lenguaje físico, no hay ninguna teoría que te pueda dar una fórmula para hacer un trabajo de creación, nos basamos en la imagen y las intenciones, un concepto que usa Rodrigo y que me gusta mucho es el de un brujo que dice la cosa y la cosa se hace, siempre que comienzas un trabajo empiezas desde cero, tienes que encontrar tu propio método, no es lo mismo abordar un personaje que otro aunque sea la misma obra. Y cada función es distinta, cada nueva temporada cambiamos cosas y probamos cosas, porque el humano cambia, esta Xalapa por ejemplo no es la misma Xalapa en que habitamos hace años.

J.- Creo que es necesario contextualizarse en la época, costumbres, movimientos y ambientes. Hay muchos sucesos que marcan esta época, es importante hacer imágenes, a mí en lo personal me ayuda encontrar estas imágenes que me ofrecen esta contextualización. En cada ensayo y previo a la función encontramos cosas distintas. Es importante también que cada función te lleves algo nuevo, vas encontrando esta gama de imágenes que los personajes te están dando.

Hay funciones este fin de semana, ¿no?
A.- Así es, 1 y 2 de octubre a las 8:30 en el foro la Astilla, Magnolia esquina Alamos. Sigan asistiendo a la Astilla y al teatro, es importante la conciencia que despierta el arte, no sólo el teatro, ojalá nos nutramos de esta conciencia y de la belleza que el humano puede generar, sobre todo porque como artistas a lo que más le apostamos es a la comunión.

J.- Que vengan porque no se van a arrepentir, se llevaran cosas que reflexionar y comentar, nosotros trabajamos para el público y lo que deseamos es seguirlo teniendo.

Ultima pregunta como espectador, de Justine y de Juliette quien tiene la razón

J.- ...
A.- Ninguna
Buenas noches.

El guiñol y sus consecuencias

Entrevista al elenco de El retablillo de don Cristóbal

A mis veinte y nueve años de edad, (es calvicie prematura, no se sorprendan), estoy aún a tiempo de darme licencia y lanzar una hipótesis que se abra a la rica y gran posibilidad de ser defendida o rebatida en el futuro; me atrevo a asegurar que en caso de que en La Coruña haya habido titiriteros el niño Francisco Franco Bahamonde nunca enfundó en su mano un Guiñol.

David, Denisse, Fernando y Lorenzo, una funciòn màs del retablillo de don Cristóbal, ¿Cómo están?
L. P.- Bien, un tanto cansados.
D. V.- Cansados pero felices
D. A. E.- Bien

Entonces, esta obra es de García Lorca ¿Qué es lo que se conmemora?
L. P.- Más que conmemorar es recordarle, aunque es un autor que está presente en la literatura, en la poesía y en el teatro lo está realmente poco en el arte de los títeres, entonces decidimos montar esta obra no pensando tanto en estos setenta y cinco años, sino en que el texto nos encanta.

Como bien indican en su programa Lorca fue un autor que con esta obra rompía un tanto con el teatro "de buen gusto" ¿No es así?
D. A. E.- En cuanto a la crítica política él siempre dijo lo que pensaba, creo que en todas sus obras refleja los más hondos vicios de la sociedad; en su forma y estructura aunque finalmente le entró al teatro burgués pero siempre insertó una crítica social y dentro de la época que le tocó. Lorca escribió y dirigió esta obra, el era un amante de los títeres, también hizo la música al piano, actuaba incluso en la obra, en el papel que ahora hace Fernando, al estar tan vinculado seguramente no le fueron tan importantes las indicaciones técnicas teatrales.
Los guiñoles son seres escénicos con mucho carácter por sí mismos ¿verdad?
L. P.- Sí, esta obra ha sido muy montada incluso por actores, aunque nosotros por lo general tomamos textos teatrales y los adaptamos a los títeres; es sorprendente en este caso el que es una obra escrita específicamente para títeres y que sea muy tomada por actores.

Aunque la cabeza humana y la del títere reaccionan diferentes al cachiporrazo, ¿Cómo están hechos estos títeres?
L.P.- Se refuerza donde van a ser los cachiporrazos para que aguante, la cachiporra también tiene su técnica, hay todo un estilo de cachiporra, incluso el propio Lorca escribió una farsa sobre la cachiporra donde es un elemento fálico pero también justiciero. Digamos que para lo popular hay muchos recursos.

D. V.- Una de las cosas que pide el texto es el cuello largo, de hecho pide específicamente un metro, y es que justo en esa época es un gag, viene de la comedia del arte traducido de alguna forma, lo de la cabeza o tantas otras cosas y acciones, Lorca conocía muy bien el lenguaje del Guiñol, finalmente los textos van proponiendo las acciones.

L. P.- Hay una anécdota en que él hace una entrevista a los viejos Andaluces que vivían en el barrio donde él nació, y lo recordaban como al niño, como un hombre que se había ido a la ciudad a estudiar filosofía y literatura, no lo entendían, lo recordaban como un niño inquieto que hacía títeres de cartón mientras la tía le recortaban los vestuarios y entonces Rosita o la solterona es un personaje que andaba en el poblado, el viejo de la luna era otro, recurrió a personajes de su barrio.

¿Habrá más funciones?
D. V.- Dado que la temporada ha tenido mucha demanda vamos a extenderla los sábados de octubre 9:30 pm, y mañana hay función, en el rincón de los títeres tenemos el programa titiridomingos, son tres funciones a las 12:30, 5:00 y a las 7:00, la obra que está en cartelera ahora es el retablo vagabundo que retoma tres cuentos del maestro Javier Villafame, es para toda la familia.

¿Algo más en que quisieran ahondar?
F. S.- A mí me motiva mucho la participación dentro de este espectáculo porque es un gran reto hablar desde la visión de Lorca, lo que el pensaba y de lo que en este momento también yo siento muy acorde con nuestro tiempo en cuanto a llenar el teatro de espigas frescas, entonces hay una empatía desde mi visión sobre lo que Lorca manifestó hace más de 75 años, y eso es un gran reto porque cada una de las palabras están cargadas de vida, es un texto muy rico y es un gran reto después de tantos años revivir a Lorca en nuestros días.

Tiempos en que hay una circunstancia con la que también hay una empatía padeciendo circunstancias violentas y estúpidas creo yo. Lorca, al fin y al cabo, un poeta que, como bien dijo Aarón, expresó lo que pensaba con sus respectivas consecuencias. Amigos, muchas gracias.
http://www.merequetengueproducciones.com/default.aspx

Sol

...Todos los nombres son un solo nombre,
todos los rostros son un solo rostro,
todos los siglos son un solo instante,
y por todos los siglos de los siglos
cierra el paso al futuro un par de ojos...

Mari Carmen muchas felicidades por tus cincuenta representaciones. Tú, además de actriz eres maestra, muchas personas en Xalapa han tenido su primer contacto con el teatro por mediación tuya, lo que has hecho es un trabajo muy interesante ¿Cómo estás?
Exremadamente contenta, es una mezcla de muchas emociones, cansancio también para ser sincera, llegar a un evento así, organizarlo, me imaginaba "antes de" a lo que me iba a aventar, pero eso era lo de menos, así que es una mezcla de sensaciones encontradas, pero lo que más resalta es esta gratitud, belleza, todo lo que hay de hermoso del teatro en mí, a mí me gusta hacer teatro, lo disfruto y comparto con todo el amor y cariño con que lo tomo, me gusta compartirlo. Mis alumnos son algo muy satisfactorio, pero es también compartir con ellos el momento, estar juntos haciendo lo que nos gusta porque nunca ha sido obligatorio, siempre ha sido desde el gusto, tomarnos de la mano y ¡vámonos!... y siguen, y estudian en la universidad, nos seguimos viendo, retro alimentando, compartiendo puntos de vista, seguimos creciendo, me gusta mucho seguir su proceso y compartir las nuevas cosas que están descubriendo.

En su formación y en sus carreras, has formado a alumnos que son ya tus compañeros profesionistas.
Es dejar de verlos como gente más pequeña, dan ese enorme salto y somos colegas, una luz igual y eso me da muchísima satisfacción. De repente cuando ya me doy cuenta de lo que se ha logrado, y creo que mis maestros se identifican de esa manera. Es lo que aportas para el teatro, gente conciente, que haga las cosas importando el gusto propio por hacer, con amor y entrega, arriesgar, es lo fascinante del teatro, no quedarte sino ir más lejos hacia esa búsqueda, como una lucha de guerreros.

Un renacimiento ¿no? Como el sol
Piedra de sol es un ritual que nace y stermina cada función y va interminable, hace tres años yo inicié con este proyecto, la verdad sin mucha visión de a dónde llegaría, un proyecto que he mantenido y que seguramenbte voy a mantener por mucho tiempo más porque sigue dándome cosas, sigue invitándome a proyectarlo en escena agradeciendo el entusiasmo de Enrique, que desde que lo conocí ha sido una conexión muy especial, desde sus creencias y aportaciones respecto a las energías del sol y de la luna, y el poema en sí, creo que hemos hecho una buena mancuerna entre los dos para seguir presentándolo por mucho tiempo.

¿Liliana cuando se sumó al proyecto?
Estuve como medio año sola, nadie se metía, me metí a diseñar la partitura de movimiento, la cuestión técnica de memorizarlo, analizarlo, dividirlo. Una primera función, o muy pocas se hicieron con música grabada, con un vestuario distinto y así di la primera función en la ciudad de Córdoba, me concentré medio año más en investigar más a fondo, Enrique se suma y Liliana entra ocho meses después de haber empezado el proyecto, y ya era muy importante continuar con el trabajo desde la escena con el complemento del apoyo externo.

Un esfuerzo al que se sumaron otros esfuerzos de la misma forma que tú ahora te estás sumando al esfuerzo de Paz
Mi mamá incluso al diseñar el vestuario, proponerlo, aunque ella no tenga que ver con esto, salvo tener una hija actriz, (que no es poco). Las personas y los elementos que han llegado han llegado en el momento preciso y eso ha sido mágico para mí. De repente pensar y de repente tener el material para trabajar. Todo ha llegado en el momento exacto.

Convertir en un drama un texto que no lo era es algo que no es fácil hacer, una novela o cuento, pero ¿Poesía? ¿Cómo?
Eso es algo que debo agradecerle al maestro Abraham Oceransky, pues en la escuela a veces nos encasillan a trabajar sólo con textos dramáticos, y cuando llegas al medio es como abrir los ojos y darnos la oportunidad de tomar cualquier texto, puedes sacar toda una obra de una frase, o un texto, en su momento trabajamos una novela de la que tomábamos escenas y elegíamos que hacer de mil formas, aprendes a dirigir escenas e ideas y cuando me encuentro con este texto inmediatamente me identifica y me conecta cosas. Trabajar con textos que no son dramáticos lo aprendí gracias a Abraham.

¿Por qué Piedra de Sol? ¿Qué más has leído de Paz que te guste?
Piedra de Sol llegó en un momento especial de mi vida, conocí el poema muchísimo tiempo antes de que me decidiera a montarlo, en un gran encierro de teatro durante un diplomado en Oaxaca donde me dan un fragmento. Pasó mucho tiempo y de repente cuando me encuentro en la necesidad de buscar qué trabajar me acuerdo de lo que había leído. Piedra de Sol es similar a un poema que también me gusta que es "Muerte sin fin" de José Gorostiza, cosas similares con otras metáforas y otro estilo, me encantaba, era mi poema favorito, y cuando encontre el de Paz era identificarlo como algo más mexicano, más cercano a mí y por eso decido montarlo. Había leído ensayos de él, algunos poemas que no terminaban de convencerme del todo.

Le estás salvando el trasero a Paz, tomando en cuenta que la única vez que incursionó como dramaturgo no tuvo muy buenos resultados.
De los estilos que maneja él, creo que Piedra de Sol es poéticamente el más hermoso y el más completo que tiene. Escogí el poema por la conexión, estaba pasando por algo en mi vida en que necesitaba decir lo que el texto contiene, por aquella época recuerdo que tenía la oferta de un proyecto de teatro que al principio le dije que sí, pero al poco tiempo tuve que dejarlo porque además de que exijían demasiado tiempo y quitarle a mi propio proyecto, cosa que no permití, me di cuenta que como artista no estaba en aquel canal, con los actores no estas alejado de expresarte como cualquier artista, y el poema era lo que necesitaba expresar desde mi propia existencia, experimentando un vaivén sentimental sin saber si las cosas volverían a ser como antes, viviendo la soledad y eso como artista me llenaba, era un desahogo y una búsqueda y empezaba esta fascinación, fue convertir todo lo que pasaba a través del montaje, aunque las cosas cambiaron el montaje sigue, los momentos de reencarnación se van conectando, son momentos por los que que todo mundo pasa, siempre hay personas a quienes la obra les mueve más y hasta lloran, es algo vivo finalmente, algo que necesitamos vivir, algo que necesitamos, la búsqueda de amor, de paz, de felicidad, el acompañarnos como seres humanos. Es quitarse las máscaras como dice el poema.

Uno está acostumbrado a abordar el drama desde el discurso del personaje, ¿puedo preguntarte quién reprsenta el poema?
En el poema si ubico dos personajes base, aunque no hay una dramaturgia como tal para mi si es indispensable visualizarlo así, para mí el poema es el desarrollo de una esencia que está en la muerte reflexionando sobre la vida, como actriz esto me ayuda, desde la muerte es un renacer y vivir.En cuanto a la interpretación no hay más que recordar que fue un proceso personal, que sucedió a partir de necesidades que siempre hay, la interpretación es mucho de cómo yo veo la vida, cómo me gusta vivirla, cómo la proyecto y a la par queda el teatro, una combinación de música, poesía, arte que cuesta pero que está.

¿Algunos proyectos preparándose?
Pues el maestro Abraham me ha invitado a participar en su taller y es posible que pronto esté participando proximamente.

Muchas felicidades Mari Carmen y muchas gracias
Gracias a ti.

Piedra

Entrevista a Enrique D´flon, músico
con motivo de su participación en "Piedra de Sol"
unipersonal basado en el poema homónimo de Octavio Paz
Actuación y dirección de Maricarmen Luna
Asistencia de Liliana Patricia Eselente

... voy por tu cuerpo como por el mundo,
tu vientre es una plaza soleada,
tus pechos dos iglesias donde oficia la sangre
sus misterios paralelos,
mis miradas te cubren como hiedra,
eres una ciudad que el mar asedia,
una muralla que la luz divide en dos mitades de
color durazno, un paraje de sal, rocas y pájaros
bajo la luz del medio día absorto.

¿Còmo propone un mùsico para una puesta en escena poética?
Lo que es racional y lògico va en el lado izquierdo de la cabeza, lo mesurable; del otro lado están la poesìa y la religión, a nuestro hemisferio derecho no le interesa medir ni comparar, sólo acepta, es el ser que acepta tu niño interior, tu fase más pura a la que no le interesa medir nada. Nosotros casi siempre estamos en ese otro lado, midiéndolo todo, es una educación o civilización muy racional, viene de todo lo europeo, pero como mencionó Abraham hace rato: la India y otras regiones operan su discurso con esa otra fase de la mente humana.

Son regiones donde la sangre, o el sol guardan una significación muy profunda ¿No es así? Oiga maestro, son contados los artistas musicales que se suman exitosamente a la escena en cuanto al ambiente, ¿Cómo lo ha hecho en "Piedra de sol"?
Yo primero estaba trabajando como mùsico en el coro de la UV, despuès me fui a la facultad de teatro donde empecé a hacer música para la escena... desde los ochentas, pasé como trece años dando clases de canto, interpretación, solfeo y algo de dicción. Esto despuès de haber sido rockero, luego fuí clásico con el coro, también fui rumbero y luego le di duro al tambor.

Su mùsica tiene un caràcter ritual maestro, ¿Qué instrumentos usa?
En este caso son percusiones mexicanas porque cuando Carmen me dijo: "musicaliza Piedra de Sol" luego luego pensè en percusión mexicana como es el gûe gûe que es un tambor grave, el teponaztle que son maderas ahuecadas, los ayoyotes, el caracol que es muy importante en la tradiciòn mexicana, en toda ceremonia se arranca con un caracol, he conocido muchos medios, he viajado por la mùsica clásica, étnica, mágica, popular, hay mucho como para clavarse con una sola. En el teatro me gusta mucho trabajar porque como compositor implica un reto; aunque lo musicalizo no lo canto, es muy ambiental, mi partitura, como puedes ver, es el poema mismo. Me valí tambièn de flautas, sobre todo para cuando la obra hace alguna referencia a España, como es un ambiente muy preciso entonces meto alientos, nada más voy siguiendo el poema a lo largo del desarrollo y cada vez lo toco distinto.

¿A usted que le da Paz?
ice Paz es un maestro, un genio como dijo Abraham; un premio nobel mexicano y la gente lo juzga por su inclinaciòn política, pero un artista debe juzgarse por su obra y Paz puede ser poeta, ensayista, puede escribir artículos, como dramaturgo se metió una vez.

Maricarmen prefiere hacer algo que no muchos se atreven a hacer tomando un texto no dramàtico y volvièndolo acciòn, ¿Fué difícil?
Sì, casi tres meses estuvimos buscándole, ella ya estaba arrancada y me dijo: "éntrale que yo estoy trabajando con un cassette." Con la mùsica le di la onda ritual por que ella lo tenía en otro canal, un tanto como ritual mexicano con màs canto.

Recuerdo que la primera vez que la vi fue en un formato de semi arena lo cual le conferìa un caràcter místico, muy especial, como de por sì es Mèxico, ¿Cómo ves a Mèxico maestro Enrique?
Bueno, a mi no me gusta ser pesimista, yo sè que ahora està todo muy feo porque ves policìas por acà y soldados por allá queriéndonos meter un miedo, cuando te meten el miedo te controlan, por eso trato de no entrar en el miedo porque algunos tenemos que mantenernos en una energìa positiva sin caer en el miedo; aunque estemos en guerra yo trato de estar alegre porque esta es la forma en que mi entorno tiene un carácter alegre, el miedo está ahora en Estados nidos, mañana conmemoran el 9/11, y el miedo está ahora en Mèxico con toda la cuestión de los narcos y la violencia, pero yo veo las cosas un poco más adelante, cuando ya no estèn ni Calderòn ni el PAN yo creo que va a suceder un cambio, el que hemos estado esperando desde tiempos de Fox, es una desilusiòn como la de Obama porque al estar ellos tambièn controlados realmente no pueden cambiar nada, pero yo creo en la gente, no en los partidos, yo creo en ti, en Maricarmen y en los que estamos viviendo, asì que no veo algo negativo, estar al pendiente de la televisiòn pendiente de que pasen los hechos violentos es estar intranquilo y no estàs ni felìz ni saludable, si no estàs alegre y amando todos los dìas te enfermas, me mantengo alegre, (y saludable), todos los días, porque de ahí viene la salud para hacer algo; cuando estàs enojado con el gobierno, con los gringos, con Obama, con tu esposa, contigo mismo estàs enfermo.

El sol cura ¿No?
Yo soy Leo, me alimento del sol todos los días, le hablo, los indígenas me enseñaron que ese era un dios, y ceo más en ese dios que está ahí y lo veo dándonos calor y energía no sólo a nosotros sino a todos los planetas de este sistema; es real, y no está manipulado yo por eso prefiero lo que me decìan los indígenas. Padre sol, madre tierra yo soy hijo, Paz lo dijo así, el trajo esta forma de ver y para mí el alma es eterna, este cuerpo lo puedes poseer, pero los que conservamos la alegría sostenemos un inconciente colectivo que siempre està hoy dìa en culpa y en miedo. La tierra está colapsando y después del 2012 vendrá algo mejor porque podremos empezar a dejar una conciencia superficial que no nos ha hecho felices para entrar a una conciencia más espiritual, y universal que nuestros hijos ya tienen, son nuestros maestros nuestros hijos.

¿En qué más estás ahora maestro?
Acabo de terminar un disco de canciones para niños cantadas por niños, quiero meterlo en escuelas primarias porque ya no cantan los niños, este mes que entra sale el disco que se llama Guanábana y Piña, trece canciones cantadas por niños del coro infantil de Córdoba, metimos reggae, rock, son cubano, son jarocho, son huasteco, corrido ¡muchos tipos de ritmos!, pensando en niños desde los seis años hasta los de trece y cualquiera lo puede cantar, tengo un disco anterior que se llama Yanga, eran doce canciones, algunas mías otras con textos de Nicolás Guillén, lo musicalizé para un montaje escénico que se llamo Zongorocozongo, alguien me produjo el disco en México, lo promocionamos y ha sido un éxito este disco de percusiones que hice en honor a Yanga, a él en persona le hice una canción por haber sido el primer libertador de las américas. DIfundir estás cosas es mi trabajo, hay que invitar a la gente a leer a Paz, a que lean el arco y la lira, la llama doble o el laberinto de la soledad, que es una oblgación para todo México pues no podemos explicar lo que no conocemos.

Muchas gracias

Convocatoria Festival Día Mundial de Teatro 2012 Xalapa, Ver.

Con el propósito de acercar al teatro a una mayor audiencia y de reunir a la comunidad teatral, públicos e instituciones comprometidas con el arte y la cultura en México para celebrar el día Mundial del Teatro el colectivo teatral "La Concubina"

CONVOCA

A directores de escena, actores y actrices, estudiantes de teatro, productores teatrales, grupos y compañías teatrales (independientes o institucionales) a proponer puestas en escena para formar parte de la cartelera del Festival del Día Mundial del Teatro Xalapa 2012 a celebrarse del 26 al 31 de marzo del 2012 en la ciudad de Xalapa, Veracruz.

BASES DE PARTICIPACIÓN

Podrán proponer una o varias puestas en escena - sin importar estilo, género o público al que va dirigido - todos los creadores escénicos (independientes o institucionales) de México y el extranjero que cumplan con los siguientes requisitos:

1. Llenar y enviar la ficha de solicitud a la dirección: laconcubinateatral@gmail.com a más tardar el 15 de enero del 2012 alas 18.00 hrs.

2. Ser seleccionados por el comité organizador del Festival del Día Mundial del Teatro Xalapa 2012.

3. Asumir el gasto de transporte del elenco, escenografía, utilería y/o embalajes especiales del grupo, a la sede del festival y al foro o teatro designado.

Cada grupo deberá presentar 1 función en el espacio y horario que el comité organizador determine de acuerdo a las características y requerimientos de la puesta en escena.

Es imortante determinar a todos los ejecutantes, creativos e instaladores pertenecientes al grupo teatral invitado y cuya presencia sea necesaria el día de su presentación en el foro o teatro designado, incluyendo directores, asistentes, técnicos, etc.


FICHA DE SOLICITUD

Todos los creadores escénicos interesados en participar en el Festival del Día Mundial del Teatro Xalapa 2012 deberán enviar a partir de la publicación de esta convocatoria y hasta el 15 enero del 2012 a las 18:00 hrs, (sin prorroga), los siguientes datos:

Nombre de la puesta en escena

Nombre de la compañía y/o grupo

Datos de contacto:

Nombre completo

Teléfono fijo

Teléfono celular

Correo electrónico

Sitio web, blog o red social

Documentos e información para el programa de mano de la puesta en escena dentro del Festival:

Sinopsis

Créditos

Fotografías (Una seleccionada para la sinopsis)

Público al que va dirigida (niños, adolescentes y adultos, adultos ó para todo público)

Duración

Documentos para la promoción y publicidad de la puesta en escena dentro del Festival:

Fotografías (mínimo 5)

Boletín de prensa

Requerimientos técnicos.

• Escenario:
  
  Tipo
  
  Espacio cerrado o abierto
  
  Ancho
  
  Alto
  
  Fondo
  
  Cámara negra Sí/No
  
  Comodín Sí/No
  
  Piernas
  
  Bambalinas
  
  Telones
  
  Poleas
  
  Otros
  


• Montaje:
  
  Tiempo de montaje
  
  Tiempo de desmontaje
  
  Número de personas necesarias para montar y desmontar
  


• Iluminación:
  
  Cantidad de reflectores (anotar con precisión si son leekos, fresneles, par 64, etc.)
  
  Consola Sí/No (Número de canales)
  
  El tiempo de montaje es el tiempo en el cual el grupo tendrá a su disposición el teatro o foro antes de la función.
  
  El comité organizador del Festival del Día Mundial del Teatro Xalapa 2012 proporcionará personal para el apoyo en el montaje y desmontaje. El grupo deberá tener sus propios técnicos de luces, tramoya y sonido.
  


• Sonido:
  
  Consola Sí/No (Número de canales)
  
  Ecualizador Sí/No
  
  Amplificador Sí/No
  
  Tipo de reproductor (ipod, mp3, CD, etc.)
  
  Otros



• Requerimientos especiales:
  
  Monitores, proyectores, laptops, productos perecederos, etc.

La caja de PandoMargaJuanMascaRita

Entrevista a Adriana Duch
Dándose el lujo de saludar a la audiencia sin perder al personaje, (un chamaco chillòn que antes de distraer se sumò al trabajo de la ejecutante), la técnica de Adriana Duch es para mí un referente en cuanto a calidad en el arte escénico, pero como si la técnica no bastara la susodicha se revela para mì como un artista integral. La maestra Adriana Duch no deja de asombrarme y conmoverme en estos dos montajes, fue conmovedor saber que el marco teórico para la elaboración de "La venganza de las Margaritas" incluye una investigación sobre leyendas tradicionales tanto Veracruzanas como Cubanas sin contaminarse de concesiones ideològicas baratas, (Apenas hace un mes acabo de leer una novelucha donde en un afàn socialistoide nombraban a una lancha como "Acorazado Potemkin"),Hermanar no requiere otra cosa que un compromiso y una sinceridad personales aplicadas a un producto específico, afirmarse uno con ayuda del otro, incluso en un monólogo teatral donde sólo distinguí los origenes de esta investigación al recibir las respuestas a la presente entrevista. La última vez que sentí algo así fue cuando vi en la pantalla del cine a bomberos cubanos y rescatistas norte americanos del 9/11(abandonados por su gobierno) dándose un abrazo en Cuba después de una travesía desde Miami encabezada por un maestro taxidermista.

Maestra Adriana Duch, una función muy concurrida y muy exitosa de "La venganza de las Margaritas" ¿Cómo te sientes?
Bien, cansada pero bien, el público se rió mucho.

¿Cuántos personajes aparecen?
Tres, Juan y las sirenas.

¿Y a partir de qué o cómo los has construido?
A partir de las máscaras, cuando se trabaja con las máscaras el personaje surge a partir de ellas, es todo un proceso, a partir del espejo u otros recursos van construyéndose los personajes. En esta obra, en particular el personaje Juan, ya estaba porque lo tenía desde un montaje anterior y lo que hicimos fue armar a las sirenas a partir de las máscaras que hizo Binoche de estos personajes y de historias que yo investigué sobre sirenas, mitos, leyendas, aquí en Veracruz y en Cuba.

Es una técnica la del maestro Binoche ¿no es así? Dime ¿En qué consiste esa técnica?
Se desarrolla al hacer vivir a la máscara, es un método que él ha ido desarrollando a lo largo de su vida y yo he ido aprendiendo algunas cosas trabajando con él.

¿La máscara a un actor qué le da? ¿Hay actores que hacen mejor en no trabajar con máscara?
Pues hay actores a quienes no les interesa el ocultarse, exponerse o rebelarse a través de una máscara, a mí es un tipo de teatro que me gusta mucho, en el que he encontrado muchas cosas.

¿Y en el que has tenido mucho éxito verdad? ¿Qué planes hay para este montaje?
Pues vamos a llevarlo al festival de Charleville y quiero el año que entra desarrollar un tercer espectáculo con este personaje tratando un nuevo tema. Y a lo mejor se hacen nuevas temporadas de ambos montajes porque ha habido mucho interés.

Sin duda, gracias por la entrega maestra, buenas noches.
Gracias a ti por veni
Fotografías de Sebastian Kunold Bello
https://www.facebook.com/pages/Fotograf%C3%ADa-Kunold/130174200358193

Un ruido en la pesadilla y el sonido del sueño

Entrevista a Adriana Duch

África y Medio Oriente acumulan desde el pasado siglo veinte incontables pesadillas, sueños caóticos y estridentes poblados de stukas, canales petrolíferos, paracaidistas y apartheid entre otras muchas cosas; a pesar de esto los sueños son herencia generosa de una región que con heroismo y profunda tristeza, (en fechas recientes Somalia y Kenia), soportta y sobrevive a la codicia humana. Sueños que un escritor comparte a un director francés con la técnica, inteligencia y sensibilidad suficientes para relatarlos en la escena de forma sincera y generosa habiendo conmovido a su vez a una sincera, generosa (y divertida) maestra de la escena mexicana.

Maestra Adriana Duch, ha terminado otra exitosa función de “El ruido del agua dice lo que pienso”, ¿Puede hablarme un poco de cómo nació esta hermosa puesta en escena?
Es un montaje cuya idea y dirección es de Jean Marie Binoche, él lo montó hace treinta años en Francia con un actor y hace unos años se le ocurrió la idea de montarlo en México en español, me lo propuso y yo acepté, de ahí surgió, lo estrenamos en el 2007 con esta versión y desde entonces lo he seguido presentando. Voy a presentarlo en el festival de títeres y marionetas en Charleville la semana que entra.

¿Y qué tal maestra? ¿Nerviosa?
Sí, bueno, siempre que doy función me pongo nerviosa.

Pero ¿usted? alguien con su... trayectoria...
...¿Edad, aha? ¡Oye!

¡No! No quise decir eso por favor, me refería a si una creadora de la escena con su experiencia en las tablas y con tanta versatilidad siente eso; porque usted trabaja con arte objeto, con máscara, con una gestualidad exageradísima como en la obra "Cállate", usted tiene mucho carácter en ese sentido….
Igual me dan nervios.

¿Esta propuesta visual en el ruido del agua es lo que se conoce como teatro objeto, o arte objeto?
Aha, podría llamarse, manipulación, aunque también los guantes tienen más bien el carácter de títeres. Yo los fabriqué

¿Usted propuso?
No, todo fue en base a la visión de Binoche, en eso si fue muy estricto.

¿El texto es del maestro Binoche?
Es una adaptación de cuentos tradicionales de Josh Perla, el primero es africano, el segundo es turco y el tercero es celta. Más que un mensaje lo que guardan es un conocimiento, no es exactamente como una fábula con moraleja, estos cuentos son para reflexionar.

¿Y en qué más está ahora maestra, aparte de “La venganza de las Margaritas” que veremos mañana?
Estoy trabajando con alumnos de la facultad un montaje que aborde cuestiones sobre la migración, ando preparando un nuevo espectáculo que estrenaré pronto, y lo del festival en Francia, nada más.

¿Tendrá una nueva temporada de El ruido del agua?
Sí, espero tenerla pronto, ya avisaré.

Bueno, pues gracias
A ti gracias por venir



Fotografías de Sebastian Kunold Bello
https://www.facebook.com/pages/Fotograf%C3%ADa-Kunold/130174200358193

Calidez humana, ¡Vaya que es fría!

Entrevista a Alberto Lomnitz, director artístico de la ORTEUV

Puedo decir, (presumir casi), que gracias a mis padres yo y mis hermanos alcanzamos a fabricar un muñeco de nieve en el Popocatépetl, en la zona cercana al refugio que la lava sepultara el 25 de diciembre del 2005, sin embargo debo admitir que a pesar de ese hermoso recuerdo nunca se me hubiera ocurrido una alegoría tan acertada como la que Alejandro ha descubierto gracias a su convivencia con miembros de la organización teatral de la UV.

Con renovado orden dentro del elenco, (a mi gusto personal no del todo acertado), vuelve a escena Idiotas Contemplando la Nieve y el director Alberto Lomnitz nos comparte un poco de su experiencia al frente de la ORTEUV

Ha terminado otra función de "Idiotas contemplando la Nieve", obra que Alejandro Ricaño ha escrito para la compañía que diriges; dime Alberto ¿Cómo fue escrita esta obra?
Yo tuve oportunidad de ver "Más pequeños que el Guggenheim" cuando se estrenó en Querétaro, ese mismo día dije: ¡Qué bárbaro! ¡No puede ser!, este es un dramaturgo Xalapeño y si estamos trabajando con artistas de varias partes tenemos que trabajar también con este hombre. El día del estreno me acerqué y le dije que porque no escribía algo para la compañía, y él me dijo que encantado; armamos entonces un taller, el cuál fue más de discusión, trabajaron juntos por espacio de dos meses conversando regularmente sobre la vida, sobre situaciones conocidas, desafortunadas, de idioteces, de todas las estupideces que uno hace para conseguir un bien material, las pequeñas reparaciones; Alejandro tuvo entonces oportunidad de conocer a cada uno, de ver para donde iban y ya con eso él escribió la obra, no necesariamente tomando hechos concretos sino pensando mucho en quien estaba en la compañía y que se podía escribir para ellos. Para eso se ha llevado este taller, fue una forma de conocerlos. Cuando pasó el texto yo armé mi propio reparto, claro que él había pensado en ciertos roles para ciertos actores, en su mayoría así quedó pero en otros no. Creo que Alejandro quedó contento con el trabajo, creo que el público también, aunque se trabaje con autores vivos como director uno trabaja también para el público, el que el autor vaya a ver la obra implica también una responsabilidad, es muy importante que el autor se sienta identificado y se sorprenda de ver su obra puesta porque nunca es como se la imaginó. El público ha reaccionado maravillosamente y esta es una obra delirante, a mi me encanta, es un texto de los que más me gustan en la vida, realmente Alejandro es un gran dramaturgo, esta es una obra conmovedora pues aparte de lo divertido es conmovedora.

Entonces hubo una problemática concreta que abordaron en conjunto, ¿se podría decir que es una creación colectiva?
El texto es de Ricaño, la obra es tan colectiva como cualquier obra de teatro lo es, no es un texto escrito con contribuciones de varias personas, realmente es un texto que Ricaño escribió para la compañía. Creo que se dan cosas muy buenas cuando los autores escriben para las compañías. Nosotros montamos hace algunos años” La visita de la vieja dama de Friedrich Dürrenmatt, uno de los clásicos más aplaudidos en toda la literatura dramática universal, y en su momento fue escrito para una compañía específica. Pasan buenas cosas cuando se escribe pensando en una compañía y muchos dramaturgos no tienen esa oportunidad, escriben desde su intimidad solamente, creo que en ese sentido se nota el estar pensando en un grupo de personas y eso es parte de la calidez que tiene esta obra, es una visión muy amorosa de la humanidad la que tiene porque: ¡Son una bola de idiotas!, ¡despreciables!, que no pueden ver más allá de la punta de su nariz, egoístas, involucrados solamente en sus pequeños problemas que son realmente minúsculos, sin embargo son entrañables, cada uno, y eso me parece fantástico, el cómo podemos identificarnos y entender que podremos ser una bola de idiotas pero aún así podemos ver caer la nieve.

Aunque hay muchos personajes no hay propiamente un rol principal
Muy complicado de montar, por cierto.

Me imagino. Yo tuve oportunidad de ver tu trabajo "Prendida de las lámparas" (texto de Elena Guiochins), fue una pintura escénica muy interesante, me parece que aquí repetiste mancuerna con los pintores de Paso de gato ¿No? ¿Me podrías hablar un poco de esta escenografía?
Bueno, sólo te aclaro que en "Prendida de las lámparas” la pintura no era de Paso de gato, y en este proyecto hubo un detalle que me quedó un poco mal por la perspectiva, pero este es mi diseño como en las lámparas, lo que yo quería era un aspecto muy pragmático por el problema de meter tantas escenas intercaladas, necesitaba entonces una escenografía que se prestara mucho a espacios simultáneos, y encontré que pueden estar sucediendo escenas simultáneamente en distintos niveles, una arriba, otra abajo, al final están todos en escena pero está cada quien en su pequeño espacio, me gustaron estos bloques por la posibilidad de lo que llamamos los muppets, cuando los actores aparecen como guiñoles detrás del volumen, es bonito porque las escenas pueden entrar simultáneamente. Ese es el aspecto pragmático, es una obra urbana, quería un espacio laberíntico, un laberinto urbano donde los personajes se pierden, como que están encerrados en una cotidianidad que los tiene atrapados, no pueden imaginar nada más fuera de esa cotidianidad, por un instante estas personas atrapadas ven algo más allá fuera de este encierro y existe la posibilidad de ver más allá aunque sea por un momento, y eso es esperanzador. Es una obra esperanzadora.

Me enteré de que actualmente la están presentando en México, ¿No es así?
Boris la preparó con algunos alumnos del CUT y la están presentando, sí. A nivel escolar pero como puedes ver ya la conocen por allá.

¿Cuánto tiempo estarán en cartelera?
Desde hoy viernes 2 de septiembre hasta el 30 de octubre en la sala Dagoberto Guillaumin del Teatro del Estado. Los horarios de función serán viernes 20:30 hrs, sábado y domingo 19:30 hrs.

Muchas gracias y mucho éxito Alberto.
Gracias a ti.

ALBERTO LOMNITZ realizó sus estudios profesionales en la UNAM, el T. Shreiber Studio de Nueva York y la Universidad de Illinois en Chicago, obteniendo de esta última un título de maestría en comunicación y teatro. De su vasta trayectoria como director de escena, algunos de sus trabajos más recientes son: Inmigrantes con habilidades extraordinarias de Saviana Stanescu; Prendida de las lámparas de Elena Guiochins; Inmolación de Enrique Olmos, producida por el programa de teatro escolar INBA/SEP, para nivel secundarias; El rey que no oía, pero escuchaba de Perla Schumacher y ¡¿Quién te entiende?! de autoría propia, con la compañía Seña y Verbo: teatro de sordos ; Noche de reyes de W. Shakespeare con la compañía TATUAS de Culiacán, Sinaloa; Idiotas contemplando la nieve de Alejandro Ricaño, La visita de la vieja dama de F. Durrenmatt, Rosalba y los Llaveros de Emilio Carballido y La máquina de Esquilo de LEGOM con la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana. Como dramaturgo, recibió con su hermano Claudio el Premio Nacional de Dramaturgia UAM-UdeG 2009 con el drama histórico El Verdadero Bulnes, que se estrenó en el Teatro Casa de la Paz, bajo la dirección de José Caballero. Entre las otras ocho obras de su autoría que se han llevado a escena destacan Ecos y sombras y ¡¿Quién te entiende?!, así como las obras para niños La fogata Palibantinú, El Misterio del circo donde nadie oyó nada (escrita con Carlos Corona), El rey pequeño (para actores niños) y Mirando Miranda (actualmente en repertorio con la compañía Entre Manos de Culiacán, Sinaloa, bajo la dirección de Miguel Alonso Gutiérrez). Asimismo, es un experimentado traductor de teatro, del inglés al español. Como actor ha incursionado en teatro, cine y televisión. Ha participado en distintos aspectos del diseño escénico: escenografía, iluminación y creación de máscaras. Miembro fundador de la Liga Mexicana de Improvisación, es un experimentado entrenador de improvisación cómica: su trabajo más reciente en este campo es la dirección del programa de radioteatro improvisado “Pájaros en el alambre”, coproducción de Teatro UNAM y Radio UNAM. Con más de veinte años de experiencia docente ininterrumpida, Alberto Lomnitz es un maestro de actuación y de dirección muy solicitado. Director de la Compañía Nacional de Teatro de 1998 a 2000; director de Argos-Teatro de 2001 a 2002; actualmente es codirector artístico —junto con Boris Schoemann— de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana en Xalapa, Veracruz. Desde 1993 es el fundador y director de la compañía Seña y Verbo: teatro de sordos, merecedora de muchos reconocimientos, con la cual ha realizado numerosas producciones, temporadas y actividades educativas, así como extensas giras nacionales e internacionales, incluyendo una reciente gira a China.

http://www.youtube.com/watch?v=lQfaqux80dc
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