Hay Nieve y Paleta de Idiotas

...el cielo había decidido repararse solo...

...quizá no sea muy tarde para empezar,
quizá después de todo haya algo más
al derretirse la nieve.

Entrevista al elenco de Idiotas contemplando la Nieve
Organización Teatral de la Universidad Veracruzana
Dirección de Alberto Lomnitz
Dramaturgia de Alejandro Ricaño

Entrevista a Alba Domínguez / Bernardita

Maestra Alba Domínguez, ¿cómo estás?
Muy bien, muy contenta de que esta obra que estrenamos el año pasado este retomando temporada. Uno siempre se pone contento cuando se retoma una obra que tuvo mucho éxito con el público, una buena respuesta, una obra escrita para la compañía, nosotros dimos sugerencias y el dramaturgo hizo su trabajo y Alberto tiene un don para la comedia, eso es importante, ahora como público necesitamos reír, la risa nos libera y en estos tiempos más.

La risa cae sobre nosotros como la nieve
Pues sí, todos requerimos de pequeñas reparaciones.

Oye, ¿Quién es tu personaje y cómo lo has construido?
Mi personaje es Bernardita y es un personaje que se fue construyendo de poquito en poquito, siempre cuesta trabajo abordar este tipo de personajes y fue por distintas etapas desde crear un personaje fársico y llegar hasta un personaje que pueda tener mucha empatía con el público en cuanto a que pueda ser visto como a alguien que se ve en la calle, su prima, su tía. Es un personaje que le apuesta a "el tener algo" para darle un sentido a su vida.

Y eso no le deja valorar la compañía de sus hermanos.
Ni la de sus hermanos, ni la de su hijo, y es que la suya es una apuesta, le apuesta a algo material que la tendrá todo el tiempo preocupada.

Algo que cuesta una cantidad pero que no necesariamente por eso lo valga
Y además de que el depositar en un aparato el sentido de su vida es terrible, en ese sentido me planteo ¿Qué le pasa a esa mujer para que haya llegado a este punto en que le apuesta más a un algo que a alguien y que además le haga sentir bien? Y eso se va construyendo en la obra junto al trabajo del director y el trabajo de mesa, ir dando descubrimientos no sólo antes del estreno sino también durante las funciones, los personajes nunca acaban de estar construidos, van tomando sentido y adoptando formas durante el proceso de funciones, y eso es lo padre del teatro, todavía tienes la oportunidad de encontrar otra cosa que no le habías encontrado todavía. El público también aporta muchísimo.

¿Cómo fue el proceso de escritura con Ricaño?
Se le invitó a partir de los directores con el fin de apoyar la nueva dramaturgia mexicana y: ¿Qué mejor que un joven autor xalapeño que pertenece a esta camada de la nueva dramaturgia? En el proceso nos dio una obra, empezamos a encontrarle cosas y a dar sugerencias porque, es triste, pero la gran mayoría de las obras siguen estando escritas para hombres, ¡Todavía!, sí y en dramaturgia contemporánea, una primera observación fue esa falta de mujeres y el preguntó bueno, “¿De qué quieren hablar?”, salieron muchos temas y al mismo tiempo el deseo de Ricaño de experimentar con la estructura, estuvimos viendo películas que nos apoyaran, hablamos de los seis grados de separación, ¿Cómo están conectados todos los personajes en algún momento aunque no se conozcan?, empezó a trabajar, los actores también investigamos como se manejas las cosas con los autobuses urbanos, en los planes de crédito de una súper tienda, Ricaño en su vida tiene muchos puntos de inspiración como todos los dramaturgos, y en fin, como un accidente puede originar toda una cadena de sucesos, y después de documentarnos con películas con este tipo de estructura y aportar llegamos a unos idiotas que hacen cosas idiotas; trabajamos la propuesta y el director y el dramaturgo se pusieron de acuerdo, y en la obra original todos los personajes narran su historia, pero Alberto decide descargar toda la narración en dos personajes, creo que es un trabajo de dirección muy interesante. En la escenografía también aborda la posibilidad de habitar cualquier ciudad.

Buenas cosas pasan cuando los dramaturgos trabajan con las compañías ¿No es así?
Y esa es además firma de la compañía, si no de forma tan directa como en este caso con Ricaño, ahí están “Máscara contra Cabellera”, en el momento en que se integró la compañía, “Cierren las puertas” con Víctor Hugo Rascón Banda, trabajar con un autor vivo para algunos puede ser muy conflictivo porque también el escritor tiene una idea de cómo quiere ver la obra y el director tiene otra, pero es muy afortunado este proceso y que se pueda construir juntos apoyándose.

¿Algo más que quisieras compartir?
Vengan al teatro, es importante ver espectáculos en vivo, el teatro te pone a verte como realmente eres, la literatura dramática sigue siendo literatura.

¿En qué más estás ahora maestra?
Ahorita estamos haciendo otro trabajo colaborativo con Conchi León, una dramaturga y directora Yucateca junto a una profesional de origen brasileño y esperamos estrenarla pronto.

¿Talleres estás dando?
Estoy dando una experiencia educativa que forma parte del catalogo de experiencias libres de la Universidad Veracruzana, ahorita no, pero también doy tutorías.

Muchas gracias Maestra Alba Domínguez
No, a ti, ¡no me digas maestra, hombre!

Entrevista a Álvaro Zúñiga y Rodrigo Hernández / Benito y Ramsés

¿Cómo están? Una obra muy exitosa ¿no?
A. Z.- Bien, le ha gustado mucho a la gente en Xalapa, tuvimos el gusto también de presentarla en el DF y además en la muestra nacional de Guadalajara

R. H.- Boris la montó en el DF, de lo que hemos escuchado es que tuvo buena recepción.

¿Qué les parece la obra?
A. Z.- Creo que es una obra padre, ahorita tiene mucho significado para mí por las cosas que se están viviendo en Xalapa, la gente anda muy loca, nerviosa, creo que al final cuando habla de la reflexión y esas pequeñas reparaciones me parece muy interesante y siento que le da mucha vigencia en nuestro contexto.

R. H.- La verdad que sí, y como en el asunto de la carga emotiva que tiene la obra siempre hay la posibilidad de descubrirle algo nuevo, la posibilidad de que te caigan nuevos veintes desde el desarrollo de tu propio personaje o desde el de los demás siempre hay una perspectiva nueva que es muy emotiva e interesante. es una obra que deja una herida abierta.

¿Me podrían hablar un poco de quienes son Benito y Ramsés?
R. H.- Ramsés es un tipo desempleado que está buscando una beca para no tener que trabajar, un error le complica la vida y tiene además problemas con su madre, y en esta obra todo es como una bola de nieve y vemos que toda la problemática alrededor de los personajes va creciendo y los sepulta.

Qué alegoría tan interesante ¿Y Benito quién es, Alvaro?

A. Z.- Benito también es un joven, amigo de Ramsés, tal vez un tanto vaquetón, con un trabajo fácil, mantiene a una madre y a una novia pero en la medida de lo que puede, él sufre por las necesidades de la mamá y la novia que lo tiene entre la espada y la pared, él es bastante ingenuo o idiota.

¿Creen que haya muchos tipos de idiotez?
R. H.- Sí, claro, aquí en la obra se ve como la idiotez desde varias perspectivas, las circunstancias te revelan distintos tipos de idiotas.

A. Z.- Uno de los últimos veintes que me cayeron respecto a Benito es que él tiene esta línea de pensamiento que más que idiota es ingenua, pero al fin y al cabo termina por mostrarse como un idiota por como lo tratan los demás. Es decir hay gente obsesionada con cosas idiotas como una cafetera de cuarenta mil pesos, y otras que piensan en cosas buenas o aspiraciones como el ser papá pero resulta que la vida te da la vuelta.

R. H.- Eso es lo interesante también, para que todos admitamos que nadie se escapa de ser un idiota en determinados puntos.

¿En qué más están ahora?
A. Z.- Estamos en la jungla de la ciudad, un proyecto de beca del IVEC acerca de un montaje de Brecht que queremos hacer en una suerte de teatro colaborativo y a partir de material no convencional, y eso está preparándose.

¿Cuándo te lanzas a España Rodrigo?
R. H.- Me lanzo el 27 de septiembre, de hecho mañana es mi última función con la Compañía de la Organización Teatral de la Universidad Veracruzana y aprovecho este pequeño foro para decir que me he sentido muy conmovido de trabajar con la compañía, es una gran experiencia de profundo aprendizaje y he pasado por muchos estados pero sin duda me he sentido muy orgulloso de estar aquí y he aprendido a querer, a saber por qué se le defiende tanto a la Compañía, y el valor que tiene, ojalá que haya un acercamiento más amplio, un conocimiento más amplio de las nuevas generaciones para tener una perspectiva más amplia para que se genere un conocimiento que nutra a la compañía y al público.

¿Algo más que podamos agregar?
A. Z.- Pues que vengan a verla, aunque la hayan visto una vez no se perderán de nada y si se enriquecerán mucho con venir a verla de nuevo.

R. H.- La obra ha evolucionado mucho y para bien, en ritmo, en contención ya la tenemos bien masticada y creo que se ha vuelto un montaje muy digno para ser visto varias veces.

Entrevista a Félix Lozano / Virgilio

Félix, interpretas a un carismático párroco en esta obra de la ORTEUV, ¿Cómo estás?
Muy bien, gracias, contento por volver con “Idiotas contemplando la nieve”, que parece ser que le encanta a la gente porque viene mucha siempre

Así parece, hay buena respuesta
Y tenemos que estar buscándole para renovarnos y estar frescos

¿Quién es tu personaje?
Mi personaje se llama Virgilio, creo que es una persona que interiormente es integro y tiene unas aspiraciones que lo llevan a traicionarse a sí mismo, a su fe y al espacio donde ejerce que es la iglesia. Él, como ser humano complejo, está convencido de que es sacerdote y va por ese camino pero tiene unas inclinaciones amorosas, eróticas que lo desvían de ese camino y cae en una falla de carácter que lo lleva a una serie de situaciones que son aprovechadas por sus medias hermanas cayendo en situaciones absurdas que llegan a esta ridiculez. Pero creo que es un personaje muy puro porque confiesa sus cosas muy honestamente, lo asume con todo aunque es utilizado porque sabe que está en un camino escabroso, tampoco es que sea una blanca palomita. Lo que a mí me gusta mucho en cuanto a este personaje es que me parece un personaje complejo, tiene virtudes, tiene vicios, fallas y aciertos que lo complejizan y eso es muy interesante de construir; me baso principalmente en el texto, un poco de lo que uno conoce de la biblia, y también de situaciones concretas como es el caso en Xalapa donde sabemos que hubo el caso del cura Rafael Muñiz López ligado a una red de pornografía infantil, y aparte el caso del fundador de los legionarios de Cristo: Marcial Maciel, con sus aberraciones. Hay material pero yo me fui sobre lo humano, me interesa llenar lo que el dramaturgo está planteando desde esas contradicciones en su carácter.

Supongo que toda esta pederastia también tiene su origen en una pobreza o miseria en la que estamos sumidos hoy en día.
Creo que es una gran pobreza moral, una doble moral que nace de una profunda insatisfacción y falta de resolución de las necesidades eróticas de cada quien, por eso me parece que hay tanto machismo, tanta utilización de la mujer en cada sentido, un mercadeo con todo tipo de personas de todas las edades, sexos y clases sociales, afectado también por una falta de satisfacción de cuestiones y satisfacciones elementales que se llegan a torcer porque son dobleteadas moralmente y encubiertas por la iglesia, la política, el sistema o hasta la familia.

Y algo que era una necesidad real termina por ser llenado temporalmente por un satisfactor superficial.
Confusa, mal resuelta, creo que tiene sus orígenes en la formación familiar o inicial de la persona. Al fin y al cabo todas las personas somos seres complejos y esto, desde el punto de vista de la creación escénica, es muy interesante.

¿Te gusta la obra?
Me gusta mucho, me gusta como Ricaño dialoga, las replicas cómicas, contundentes y precisas, como estructura la trama, si me gusta mucho.

¿Algo que te gustaría agregar?
Quisiera invitar que la gente, se va a pasar un buen momento y reflexionará, nos criticamos pero de manera ligera y rica,

¿En qué más estás ahora Félix?
Preparando una síntesis de mi trabajo escénico para, de manera divertida, compartir estos años que llevo en la práctica, algo así como un: “desde la cocina del actor”.

Bonito título, prometo no fusilármelo
¡Ah conste!

Gracias Félix
A ti Luis, gracias

Entrevista a Héctor Moraz / Narrador

Héctor en esta obra tienes un papel importante y muy...
Sui generis

Sui generis, sí, pero muy importante porque es un personaje que desarrolla la obra, ¿Cómo estás?
En este papel pues la verdad muy sacado de onda porque por lo general lo que hago es actuar, estamos acostumbrados a entregar en el escenario, y en esta ocasión no, debo reprimir mis impulsos y sensaciones y hacerlo como un personaje que está viviendo de fuera todo lo que está sucediendo, aunque todo afecta esta contenido, es una cosa muy extraña, es la función 39 y hasta ahorita estoy entendiendo muchas cosas sobre este personaje, hasta donde se inmiscuye, hasta donde no, qué le afecta, qué no le afecta, su relación con la compañera que ahora hace Juana María y antes hacía Karina, esta comunicación que estamos consiguiendo es maravillosa.

Es un trabajo complejo y se necesita profesionalismo, porque no sólo relata sino que a veces se implica.
Sí, ahí fue realmente una labor de Alberto Lomnitz, el director, que con sus sensibilidad señala donde la obra lleva, y entre menos hagas mejor.

Paradójico ¿no?
Sí, mucho.

Preguntando a un intérprete de tu experiencia, estos beats de personajes esporádicos en la obra, ¿los construyes también?
Es lo que te estoy tratando de explicar

Es lo que estoy tratando de entender
Sí, en un principio fue difícil construirlo, apréndete todos estos textos primeros y luego los construyes, es que todo tiene que salir de los demás actores, no puede salir de mí, salir del todo y construirlo de la hora y media de la obra. No puedo vivir toda la obra desde los distintos personajes, tengo que pasar muchas veces la obra para verme, donde estoy y adónde voy. Por lo general soy lento en ese sentido, pero seguro, construir un personaje me lleva varias funciones, no ensayos, porque tengo que sentirlo con el público, más complejo que lo acostumbrado, un ranchero con botas y sombrero pues es algo que yo sé lo que es, pero aquí no hay pistas, es: ¡Agárrate de donde puedas!, y las pistas en este caso son los compañeros.

Es decir que no implica memorizar sólo tu texto sino toda la obra
Un poco de ambos, siempre tienes que asimilarlo todo

¿Eso es importante para cualquier intérprete? ¿Asimilar toda la obra?
¡Claro que sí! Es el "en qué mundo estoy", donde vivo y como me comporto, hacerlo con sinceridad es el objetivo, en este caso de los narradores también se busca algo similar a los narradores de radio de los cincuenta, ahí tenemos otro plus que podemos manejar con cuidado y ganas. Eso lo vuelve un juego muy divertido en escena. Divertido también de ver, allá detrás también me estoy destornillando de risa, el público te ayuda mucho y hoy el público estuvo maravilloso.

¿Qué te parece texto?
Como ya sabes lo construimos todos junto al dramaturgo, me parece algo nuevo que vale mucho la pena, algo nuevo pero que tiene mucho que ver con su maestro Emilio Carballido, estos diálogos tan cotidianos, nos dan risa porque nos identificamos con todo esto, como lo de Emilio era de los sesentas setentas, esto es de los dos miles, a mi me llega, requerimos de pequeñas reparaciones y el deseo de esas pequeñas reparaciones me devuelve un poco la fe en la humanidad en estos momentos tan complicados. A mí me llega ese final, he tratado de reprimir mis emociones, recobremos la fe en la humanidad a pesar de el miedo, tanta delincuencia, tanta violencia; y es que a partir de esas pequeñas reparaciones vamos a cambiar poéticamente, a mi me llega esto.

Quizá al final haya algo más al derretirse la nieve. ¿En qué más estás ahora?
Desgraciadamente de momento no he hecho muñecos, pero aparte del trabajo en la compañía es algo a lo que me dedico profesionalmente, también estaré en un montaje de títeres para adultos con algunos compañeros.

Gracias Felicidades
Gracias a ti por tu apoyo

Entrevista a Juana María Garza / Narradora

Ilustre Juana María Garza, ¿Cómo te sientes?
Ahora me siento más relajada porque este es un personaje que originalmente hacía Karina Meneses; ahora ella está haciendo el personaje que hacía Cariño que ya no está con nosotros, pero ya lo tengo más asimilado.

Es un trabajo de mucho calibre que requiere de una actriz de mucho calibre, sobre todo por tener que asimilar tanto texto tan rápido
Sí, un poco también porque son muchas entradas y cambios de personaje

Siempre representa un reto para cualquier ejecutante representar a un personaje que es un nodo conector de la historia, ¿verdad?
Sí pero no creas que es tan complicado con este tipo de puestas porque hay muchas cosas que están armadas no solamente en la función sino también un tanto artificialoides, con el fin de que las cosas queden claras, pero tampoco es tan complicado, es entrenamiento, ensayo, entrenamiento, ensayo, si manejas el texto en la cabeza el texto te lleva independientemente de que se te olvide algo o un movimiento, el teatro es algo vivo gracias a dios, vas escuchando a los compañeros, y llegas.

¿Le construyes un contexto a cada uno de estos personajes que se desprenden del nodal?
Sí, porque yo tengo la creencia de que en esta cosa que llamamos teatro los personajes son seres vivos que construyes a partir de ti, el actor no puede quitar la actividad mental que es un sensor de emociones que te llegan por los sentidos, esto llega a la persona humana y de ahí lo regresa; ¿Cómo lo regresas desde el personaje? claro que cada uno tiene sus registros y hay posibilidades de cambiar la voz, hay posibilidades de cambiar el gesto, cambiar la presencia escénica de un ser vivo.

Es decir: adaptarse al ambiente aunque sea un ambiente sugerido.
Claro

¿Qué le ha parecido el texto?
Al principio no creas que era mi fascinación, creo que los actores de esta compañía y el director han construido algo que es muy fácil que llegue y el público puede, muy fácilmente, enviarnos una respuesta. Tampoco vayas a pensar que al principio pensé: "¡Qué asco de texto!", no, sólo que no era algo con lo que yo me hubiera identificado o sentido cierta atracción necesariamente, es una obra y una puesta divertida y reflexiva.

Aportaciones claras de una ejecutante con tanta experiencia tanto en la ejecución como en el estudio, crítica y la interpretación de textos teatrales. Fíjate que leí una entrevista a un director chilango hace poco que afirmaba que Carballido es un excelente escritor que nunca encontró a su director ideal, yo pienso que tal vez a esta persona le faltó un poco ver más teatro de provincia, ¿Usted qué opina?
Carballido tiene una tradición de reflejar la vida tanto contemporánea como de cuando empezó a escribir, a veces de primera intención un joven piensa: “¡Ay no!", pero cuando se lee bien pasan cosas y se da cuenta de que hay un reflejo humanístico hasta nuestros días. Bueno, no sé quién ha visto todas las puestas de un autor como Carballido, es una pretensión muy grande: checa si lo dijo así, pero nuestra Rosalba y los llaveros, no digo que sea la perfección, pero si fue algo muy cercano a la identidad e idiosincrasia de los personajes, y no sólo por ser de acá, muchos compañeros ni son oriundos, sino que la lectura y disposición fue acertada. Tu lees una obra como la prisionera con una maravillosa puesta en escena y no sólo con los actores sino que la escenografía maravillosa tenía una isóptica por acá, otra por acá, como un pastel enorme; y todo estaba en la cabeza de de la directora que tenía una conciencia del volumen y del todo.

¿Algo más que quisiera ahondar?
Pues sólo que permaneciera vigente el teatro durante mucho tiempo porque es una actividad que puede hacer a los seres humanos mejores.

Muchas gracias, y mucha mierda... ¡Adiós!
¡Adiós!

Entrevista a Raúl Pozos / doctor Esquerra

Raúl Pozos te has sumado al elenco de Idiotas contemplando la nieve para interpretar al doctor Esquerra, dime: ¿Cómo te sientes?
Bien, apenas agarrando confianza con el personaje pues yo acabo de entrar esta temporada cubriendo a Jorge Castillo, y ahí la llevamos, bastante agradable.

A cinco días de llevar este personaje: ¿Cómo lo has construido?
Pues con mucha intuición, Alberto Lomnitz me dejó una visión general del personaje y ya hay una indicación precisa del timing. En lo demás me han dejado muy libre, claro que la obra y la situación van dictando lo que puedes hacer, pero dentro de eso trato de hacer lo mío y encontrarle las dimensiones que yo le pueda dar.

¿Qué te parece la obra?
La obra me gusta como montaje, creo que funciona muy bien con el público y eso nosotros como actores lo agradecemos muchísimo, como texto podríamos criticarle cosas, pero creo que lo fundamental es que funciona bien.

Que es una de las características de la compañía, que tiene una amplia gama de obras.
Si, ahorita estamos en un montaje con Clarissa Maleiros, un texto de Conchi León en proceso de construirse con un tema sobre el mar, el agua, algo muy poético con cierto realismo mágico. Volviendo al ahora, esta obra tiene mucho futuro, la compañía debe guardarla como de repertorio porque tiene un tono ligero, la gente la disfruta pero creo que hay un trasfondo de critica que, si no está demasiado subrayado a la gente le puede crear un gusanito de cuestionarse sobre la identidad, la" falta de" por cosas triviales por las que a veces nos preocupamos demasiado. Creo que la compañía está dando buenos trabajos, esperemos que los siguientes trabajos sean tan exitosos, variar las posibilidades y estilos que maneja la compañía; estamos, creo, cumpliendo bien nuestra labor, estoy muy contento trabajando con la compañía.

Gracias Raúl
De nada Luis

Entrevista a Raúl Santamaría / Elvis Rosendo

Ilustre maestro Raúl, un personaje muy carismático que has creado para este montaje, ¿Cómo estás?
Bien, muy bien, aquí preparándonos para una función más con todo el ánimo.

¿Quién es Elvis? ¿Cómo lo has construido?
Es un personaje podríamos decir que menor en todos los sentidos, es un personaje menor socialmente, menor económicamente, menor en cuanto a presencia social, que no tiene ninguna riqueza material por así decirlo, tiene esas características, no posee nada, ni una suerte definida ¿Cómo lo he construido? a partir de la observación de personas que uno ve en la calle frecuentemente, uno ve a un señor parado, encorvado, esperando nada, pero uno como actor tiene la obligación de decir que hay debajo de ese señor que no dice nada, que no expresa nada, que no platica nada, que no espera nada, que nadie lo espera, que nadie espera nada de él, y yo creo que hay mucho debajo de él, de esa piel abandonada socialmente.

¿Cómo te sientes en el montaje?
Muy bien. La obra toda me cae bien y un personaje como Elvis es muy enriquecedor emotivamente, uno sale muy prendido después de haber dado una función porque la obra tiene un rebote en el público muy especial.

¿Esta obra qué sabor te deja como creador?
Creo que con Ricaño tuvimos un dar de un lado para otro en cuanto a la manera de armar esta posible dramaturgia, dimos muchos puntos de vista, de cómo los personajes podrían sonar, cuál era su diapasón emotivo, su diapasón vocal, lo hemos hecho en otras ocasiones, con Víctor Hugo Rascón Banda por ejemplo; yo creo que es una de las gracias de la compañía: el poder comparecer en procesos como estos, dramaturgos que ven que cosas les interesa, que cosas nos interesan a nosotros, un dramaturgo que viene y escucha es un trabajo de mucha paciencia, de andar probando, ensayo y error constante, la estructura de la compañía permite este proceso, es otra forma de abordar el proceso escénico y sobre todo el proceso de cómo nace un personaje, esto fue lo que hicimos con Ricaño, él nos hablaba de ciertas propuestas y nosotros respondíamos con otras amoldándonos.

¿En qué más estás ahora maestro?
Estamos en el montaje de Conchi León, estamos empezando con una dramaturga para la cuál nos vino a poner ejercicios muy vivos y propositivos, la idea es retomar ese material para un producto rico y emotivo.

Este mensaje de la obra respecto a una constante insatisfacción que estamos viviendo ¿Tú como lo ves?
Esto lo estuvimos hablando frecuentemente con Ricaño, el sistema económico en el que estamos incrustados nos hace creer que eres feliz si puedes consumir, y si no puedes consumir eres un infeliz, si no tienes para comprar algo que todo el mundo está comprando vales poco, y la obra trata de motivar al público a que se reconozca a si mismo con defectos y errores pero con un valor real, no simulado o especulado.

Muchas gracias maestro Raúl, y mucha mierda
Gracias

Entrevista a Karina Meneses / Nana, la diputada.

Karina en la primera versión de esta obra tenías un papel de narradora, ahora, supliendo a Cariño Selene que se encuentra en Argentina, desarrollas este personaje ¿Cómo estás?
Bien, fue difícil, es la primera suplencia que hago en mi carrera y siempre que alguien suple de entrada tiene que llegar al nivel al que estaba la otra persona y ya de ahí puede empezar a aparecer tu propuesta, ya hay un estándar, una forma de abordar al personaje, hay que trabajarlo mucho.

Naturalmente tu diputada es diferente a la de Cariño, sin embargo tú consigues momentos muy exitosos como por ejemplo cuando amenazan a tu axolote, ¿Cuando pudiste empezar a proponer?
Más bien siempre, es difícil llegar y suplir, no alcancé a trabajar con Cariño, fue con el video y con la asistente del director, ya después el director llegó a afinar. No es que copie y después voy yo, de entrada yo ya podía proponer, pero si tienes que saber que había un nivel. En tu cuerpo, voz y forma de moverte naturalmente todos somos diferentes.

¿Qué te ha parecido la obra?
Pues a mí me encanta, me la sé de memoria por el trabajo que hacía antes y para mí es muy enriquecedor que me hayan movido a la diputada porque es un personaje muy rico, lo disfrutas, la narradora también me gustaba mucho, pero esta oportunidad me gustó mucho.

Oye, ¿me hablarías un poco de tu trabajo como narradora?
Fue un trabajo muy pesado porque además de saberte toda la obra debes llevar un ritmo y llevar el ritmo de los demás y que no se te olvide nada porque como es narrativo si se te va una línea ya se te fue parte de la vida de un personaje, tienes que estar muy ágil en la narración y manejarlo de forma tan fluida que no se note que son varios textos.

¿En qué más estás ahora Karina?
Seguimos con idiotas y preparando un personaje muy padre en el montaje de Conchi León

Felicidades y gracias Karina
Gracias

Entrevista a Lesly Velázquez / Sarita

Lesly, ¿Cómo te sietes?
Bien, tranquila, satisfecha y contenta por la respuesta del público

Sarita es un personaje interesante, un buen número de personas opinarían que es el único personaje de la obra que no es un idiota sino que consigue lo que quiere sin ninguna complicación, ¿Tú qué piensas?
Si, se vale de lo que tiene y sabe para conseguir lo que quiee, y lo consigue sin mayor problema y sin importarle las personas a su alrededor que afecta, sin problemas, seguramente piensa algo como: “¡A los diez y seis años ¿qué problemas vas a tener?!”; No se lo preguntas y es tal vez esa irreverencia lo que le hace cometer esos actos tan grotescos.

Uno tiene ideas preconcebidas respecto al aborto y otras cuestiones y Ricaño se vale de Benito y de este personaje para romper ciertos paradigmas ¿no?
No sé si sea un paradigma, creo que es un suerte de tabú muy raro, como un secreto a voces, de las pastillitas por ejemplo no tiene que decir ni el nombre, sólo que valen quinientos pesos, está en todos lados y la niña se lo saca de la manga porque lo escucha y lo ve, y las generaciones crecen cada vez más vertiginosamente, no es lo mismo nuestra generación a la de nuestros hermanos que nacen con celular en la mano por ejemplo.

¿De qué te has valido para construir a Sarita?
Es raro porque es muy diferente a mí en muchos sentidos, pero es un poco el imaginar lo que sucedería a partir de alguien que tal vez no tiene una vida familiar ideal, no me imagino en su casa a mamá, papá hijos sentados en la mesa a la hora de la comida, se supone que no es una niña niña, sino que está desarrolladita y chula, que sabe lo que tiene y despierta y se sabe valer de eso para obtener lo que quiere, lo cual es esa imagen superficial de belleza, de la chichi falsa, el diente blanco.

¿Como una Lolita?
Sí y no, porque la Lolita tiene un trasfondo mucho más erótico y artístico, un ser a pesar suyo, aquí Sarita lo sabe y lo usa.

¿Qué te parece la obra?
Me parece que es un trabajo que se acerca a la gente y que cumple una doble función, que la gente tenga empatía con los ejecutantes y ,por otro, la crítica no sólo mediante la temática sino con este trasfondo, no sé si tercer mundista, pero si un tanto mexicano al decir •”Endeudémonos y gocemos”, el discurso de los cincuenta meses sin intereses, toda esta simulación y especulación económica en que puedes gastar más de lo que ganas y de repente nos fuimos desequilibrando con la idea de que no estás jodido pero puedes pagarlo a tantos meses sin intereses.

¿Algo más que quisieras agregar?
Invitarlos que aun tenemos más funciones, ya no estará Rodrigo pero va a entrar Yahir, y hará un excelente trabajo.

Gracias Lesly, buenas noches
Gracias

Entrevista a Luisa Garza / Madre de Ramsés

Usted, maestra Luisa, tiene un personaje muy conmovedor ya que es uno de los personajes sobre los que cae la nieve
Al final a todos nos cae, pero es un personaje duro, pesado porque lo atropellan, es una escena en una obra en la que te ríes todo el tiempo pero esta parte en que muere es diferente al resto de la obra, es una parte trágica.

Esta madre que usted ha construido tiene unos matices de tristeza por su hijo pero también de ternura muy agradables. ¿Cómo construyó este personaje?
Es un personaje con recuerdos de su infancia que al público le ayuda a evocar un momento emotivo de su vida, a la vez triste pero alegre, esos recuerdos te ayudan para construir al personaje, son recursos para el creador.

¿Qué le parece la obra?
Fue un trabajo que hicimos todos junto a Ricaño y cada uno de nosotros quería decir algo y lo manifestamos de muchas maneras, el resultado fue muy bueno, el fue hilando la historia a partir de todo lo que le propusimos, el supo acomodar todas las propuestas, el resultado es muy bueno porque la gente se divierte, pero además es una crítica social muy buena, además nos reímos de nosotros mismos, cada escena tiene una parte de reflexión, de algo que nos pasa a todos, en lo cotidiano, con los tránsitos, al hijo que no le pagan, los atropellados, trabajar a destajo todo esto lo vivimos a diario, la gente se identifica y además te ríes, creo que es una buena obra, no es fácil encontrar una obra en que haya tantos detalles y tantas críticas, eso es agradable porque no estamos haciendo un vaudeville, y generalmente en las comedias te ríes y nada más, el público aquí piensa además de que lo disfruta
muchísimo, me ha gustado trabajar con Ricaño

¿Algo más que quisiera agregar?
Que ojalá venga la gente, estaremos un buen tiempo

Felicidades y gracias
Gracias

Entrevista a Marco Rojas / Minervo

Tienes dos papeles muy interesantes , uno incidental otro complejo y además es sobre tu personaje Minervo sobre quien cae la nieve primero, ¿Cuál crees que sea este afán por matarte dos veces en la misma obra?
Pues creo que le caigo mal al director, no, es que como mi personaje del maestro de teatro sale hasta más adelante fue una mera cuestión estratégica... espero.

¿Cómo te sientes?
En la obra me siento bien, muy contento por como resulto el proceso y como lo acepta el publico.

¿Minervo quien es?, tú, creador de la escena, ¿Cómo lo has construido?
Pues principalmente me he dejado guiar por la dirección pues tenía al principio una propuesta distinta del maestro de teatro, imaginaba un maestro hippie, de morralito y sandalias, pero el director tenía ya un concepto de la puesta en escena y me pidió entonces hacerlo un poco más burocrático, traje y corbata, de escuela privada, tal vez con un código de vestimenta. Ya tenía unas ideas para el primer personaje en cuanto al payaso, no es tanto un personaje como un beat visual escénico y jocoso, no hay necesidad de biografía, me limito a las necesidades de la obra.

Minervo tal vez sería feliz si no fuera por su esposa que le exige conseguir cosas
No da mucha pauta a que él por si mismo tenga necesidades superficiales salvo ser un artista frustrado, quizá en su carrera profesional, y entonces le da rienda suelta a la otra vocación que es la docencia.

¿Qué te parece el texto?
Me gusta mucho, es muy divertido, creo que es una obra que gusta mucho a los jóvenes, universitarios sobre todo, creo que hace falta hacer público de teatro para no perderse en las historias y llevar el conjunto así que creo que los universitarios son quienes mejor la reciben. Es una obra ligera y ágil.

¿En qué más estás ahora?
En Usted está aquí, vamos a retomar temporada en la caja y con todas las cosas que están pasando creo que es una obra oportuna

Oportuna y muy interesante, ¿algo más?
Pues invitar a la gente que venga a verla y tratar de evitar la corrupción a toda escala que es lo que nos tiene tan mal en nuestro país.

Muchas gracias
Por nada, a ti.
Fotografías por Sebastian Kunold
http://www.flickr.com/photos/hiawata/

Villafañe, Echeverrí y otros cuántos vagos.

Entrevista a David Estrada, Lorenzo Portilla y Denisse Valencia,
integrantes de Merequetengue teatro.

T.V.- “La lavadora Easy Clean es tan fácil de usar que hasta un niño puede hacerlo…”

Mafalda.- “¡¡¿Y PARA HACER REFERENCIA A LAS SEÑORAS IDIOTAS NOS TIENEN QUE USAR A NOSOTROS?!!”

El retablo vagabundo, ¿Cómo surge este montaje?
D. V.- Por la inquietud de retomar las actividades de los viejos titiriteros que iban de pueblo en pueblo, vagabundeando, quisimos retomar este aspecto de levar a los títeres al lugar donde está la gente con este retablo; aquí está dentro del foro, pero remite a un teatrino que va de pueblo en pueblo. Teníamos el deseo de retomar los cuentos del maestro Villafañe que justamente tenía esta actividad.

Estos cuentos son tradicionales ¿no es así?
L. P.- Fueron escritos hace unos cincuenta o sesenta años, el entremés del globero es un poco más largo, aquí abrimos el montaje con él y lo acortamos un tanto, además el de sifón y su nariz es de Iván Echeverrí.

D. A. E.- Este montaje es de Merquetengue con la iniciativa de aprender a hacer guiñol porque yo creo que todos los titiriteros tienen que pasar por la experiencia del guiñol, nosotros ya habíamos hecho mucho teatro de títeres de mesa, o bocones, manipulación de objetos como en ubu reciclado que dirigió Carlos Converso, pero nunca le habíamos entrado al guiñol. Este fue el primer montaje del grupo.

¿Hay diferencia entre el guiñol y el muppet?
L. P.- Sí, mucho, todo está en la manipulación, los títeres se clasifican de acuerdo a como se mueven y el guiñol es un títere de guante. el bocón abre y cierra la boca, un mupet, hay bocones de varillas, marionetas de hilo, de sombra, bunrakus.

Ustedes en Merequetengue no se ciñen a una línea sino que siempre experimentan con todas las técnicas, veo la bolsita del pan y se aprecia una técnica aplicada de bunraku; es decir que hacen todo un trabajo de investigación
D. V.- Nuestro objetivo es investigación y experimentación, combinar lenguajes y aplicar la técnica de títeres que ya tiene convenciones establecidas, y es lo que nos gusta desarrollar siempre con un objetivo, es decir: una puesta en escena de calidad para que el publico la vea. Otra de la cosas es que nuestras obras puedan tener facilidad de proyección, podernos presentar en teatros grandes, chicos, plazas, alternativos.

L. P.- Pensamos mucho en que nuestras obras puedan llegar prácticamente a cualquier espacio, que todo se doble y quepa en unos cuantos baúles.

D. A. E.- Y También estamos en una exploración estética, cada obra tiene propuestas distintas, hay textos con planteamientos más convencionales y otros más de experimentación. Siempre estamos procurando establecer una propuesta o búsqueda.
¿Hay un metraje promedio para un teatrino?
L. P.- Si te refieres al metraje de medidas y ergonomía hay cosas muy básicas, como una barandilla, que es un escalón horizontal donde los títeres se recuestan, ponen utilería, las alturas por ejemplo tienen que estar en función de la altura del titiritero para permitir que los personajes bajen o suban, tiene que haber una isóptica para que el espectador pueda ver la escena completa pero nada más, no ver las mangas o terminaciones de los brazos, ganchos para colgar los títeres, había un titiritero al que le hicieron un reportaje y la periodista sugirió tomarle fotos mientras estaba por atrás y describe como los títeres, colgados como murciélagos, esperaban a que el titiritero los tomara. A cada espectáculo corresponde determinada necesidad.

D. A. E.- Las adecuaciones van también de acuerdo a las capacidades y cualidades del titiritero, corporales o técnicas.

¿Lo plástico sirve a la escena?
D. A. E.- Sí, pero yo pienso que lo plástico no tiene que ver necesariamente con lo técnico de la obra, si bien si se plantean cuestiones técnicas, por ejemplo la nariz que se quita y se pone el Sifón, puede haber mil formas para hacerlo y nosotros seleccionamos esta, es parte de la propuesta. Generalmente no nos gusta el teatro infantil, en cuanto a referirnos a teatro para niños, a nosotros en lo personal no nos gusta el término porque el teatro de títeres lo puede disfrutar cualquier persona, y lamentablemente el decir: "para niños", lo ha demeritado mucho, he visto obras para niños infantiloides, como si los niños fueran idiotas. Estos títeres que hemos hecho no son así, tienen una estética asimétrica que quisimos hacer, un tanto grotescos, plásticamente propositivos. Si bien cada lenguaje o técnica propone necesidades específicas a partir de ahí se puede crear una estética. Yo creo que el enfrascarnos a que la técnica nos lleve a la plástica no es lo correcto, yo creo que es al revés. Lo técnico se ciñe a lo plástico.

¿Qué planes hay ahora para el retablo y para Merequetengue?
L. P.- Pues vamos a cumplir dos años en el rincón de los títeres, vamos a hacer una gran fiesta, tendremos diferentes actividades, haremos toda una semana de funciones.

D. V.- Es muy probable que tengamos invitado por lo menos un grupo más, nosotros somos una compañía independiente y hemos querido plantearnos de una forma autosustentable, nos gustaría traer más grupos.

L. P.- Esperamos el reestreno de una obra maravillosa de la que acabamos de conseguir los derechos de autor, que es hasta el domingo, un texto maravilloso y lo esperamos para diciembre, tendremos funciones y un par de festivales internacionales. Y con eso cerraremos las actividades de este año, y estamos en charla con los títeres para ver si hacemos una pastorela, nunca lo hemos hecho pero nos da curiosidad.

D. V.- Seguimos los domingos con el retablillo y en noviembre retomaremos “La serpiente y la zorra”, no paramos, a nosotros nos encanta esto, hay un día festivo y cualquier signo de descanso es un buen pretexto para trabajar. ¡Ah! e invitarlos a nuestra página en internet http://www.merequetengueproducciones.com/, donde están nuestras actividades y demás. Y pues a seguir explotando las capacidades infinitas de los títeres.

D. V.- Que ellos nos explotan a nosotros

L. P.- Y luego hay unos que no se dejan, pero bueno, seguimos experimentando y encontrando nuevas formas.

Gracias, felicidades.

Astillas de álamo, perfume de Magnolias

Entrevista a Rodrigo Carrillo Tripp,
director y actor en la puesta en escena “Justine y Juliette”,
adaptación escénica de diversos escritos del Marqués de Sade.

“El único motivo que nos mueve a escribir esta historia es la instrucción de la humanidad y el mejoramiento de su modo de vida. Es de desear que todos los lectores descubran el enorme peligro que siempre corren aquellos que hacen lo que quieren para satisfacer sus deseos. Que puedan convencerse que la buena crianza, las riquezas, el talento y las dotes naturales sólo sirven para desviar al individuo cuando la limitación, la buena conducta, la sabiduría y la modestia no están allí para sostenerlos o utilizarlos de la mejor manera: éstas son las verdades que vamos a llevar a la acción. Que no sean perdonados los detalles poco naturales del horrible delito que nos veremos obligados a relatar; ¿acaso es posible que estas desviaciones sean detestables si uno tiene la valentía de presentarlas abiertamente?”
Donatien Alphonse François de Sade / Marqués de Sade – Fragmento de “Eugenia de Franval” «Es el libro más abominable jamás engendrado por la imaginación más depravada»
Napoleón Bonaparte - "Memorias de Santa Elena"

Rodrigo, una función más de Justine y Juliette, dime, ¿En qué función vamos?
Según yo vamos alrededor de la ciento y diez

Felicidades, ¿Cómo estás?
Bien, contento, ya tenía muchas ganas de retomar esta obra, la dejamos descansar un poco después de terminar temporada en el DF y decidimos retomarla aquí en Xalapa, en nuestra casa.

Este es un montaje que lleva mucho tiempo contigo, ¿Verdad?
Yo soy de la filosofía de que el estreno es el inicio de una parte importante de la investigación de todo montaje, todo montaje debe verse así, nunca termina, siempre hay algo que mejorar, el público te va dando el norte para encontrar detalles que se van afinando, de lo contrario estaríamos haciendo teatro de museo o teatro muerto, y ¿Para qué?

Abordas además una investigación literaria aplicada a la escena
Las novelas del marques tienen muchos otros elementos que no llegaron a la puesta en escena y al revés, también , en la puesta en escena hubo que darnos la licencia de meter ciertos elementos que no contienen las novelas, esto nos llevó a que en la redacción de los textos el noventa por ciento más o menos de lo que el público ve en la escena no tiene que ver con lo que originalmente se planeta en la novela en cuanto a redacción, se han tenido que recortar algunas de las anécdotas, incluso algunas tendencias sub textuales de algunas de las novelas las hemos tenido que recortar para que en conjunto la confrontación entre las protagonistas tenga mayor campo de acción y mayor dramatismo.

Claro, porque Justine y Juliette son dos novelas distintas, ¿no es así?
Sí, y el encuentro entre ellas es mínimo, incluso en las novelas de Juliette el encuentro entre ellas no tiene mayor trascendencia y nosotros descubrimos que si las confrontábamos podía ser el inicio de este espectáculo.

Lo que era algo narrativo o descriptivo lo has vuelto acción. Me imagino que hay metros de tinta que no se ven aquí pero que están implícitos en la acción.
Ahorita que mencionabas que llevamos tiempo con este montaje, esta versión la estrenamos hace apenas dos años porque, como recordarás, estrenamos otra versión, una maqueta donde había muchas escenas que ya no llegaron a esta versión final, nos tuvimos que dar cuenta que servía y qué no para llegar a esta versión más sintética.

O sea que estas ciento diez funciones son aparte de esas funciones iniciales
Pues sí… así es.
Tú, constructor de la escena tienes un personaje concreto que es el conde de Lorsaigne, uno de los personajes, que junto a Juliette y Justine, llevan la obra; ¿Cómo abordas a este personaje nodal, abordando a su vez a varios personajes ocasionales, le construyes un marco conceptual a cada uno?
Ahí está, desde la selección del texto ya están seleccionados nortes y puntos de partida para lo que estás preguntando, cada montaje, texto o historia es un camino distinto de como se llega al personaje, en este caso en la adaptación fuimos descubriendo que hay un esquema dramático que es muy funcional que es el de victimario y víctima, y hay personajes que son sencillos, cliché por así decirlo, el juego con estos tres elementos nos fue dando el marco de construcción. Ahora, una de las cosas que más me gusta de Sade es lo punzo cortante que es para ir develando la hipocresía o los vicios de cada uno de los personajes que ves, en la obra aparecen sacerdotes, gobernantes, muchos tipos de personajes y eso fue también un punto de partida, descubrir que era lo que se estaba criticando en cada una de las anécdotas.

Los escritos de Sade son construcciones fantasiosas y eróticas pero también eran planteamientos filosóficos, ¿no es así?
Y yo creo que ahí está lo más interesante, porque Sade es reconocido por mucha violencia, mucha caca, mucha sangre, mucha exageración escatológica o sexual, pero yo creo que lo sutil es lo más importante, que es cuando algún villano o personaje en su historia empieza a filosofar y cuestionar sobre el comportamiento humano, el propio y el de los demás, esto es lo que queremos que se lleve la gente, cuestionar las propias creencias en un ánimo de conocernos y determinar que estamos en lo correcto o no.

Seguramente lo has logrado, pues son muy claros esos dos momentos por parte de Justine y Juliette en que por única vez cuestionan todo el proceder de su vida en el marco de lo que les sucede en la historia.
Pues ojalá, esto es lo que intentamos.

Muchas gracias Rodrigo, ¿Habrá otra temporada?
Dos funciones más la semana entrante y esperamos la confirmación ara un foro en el DF próximamente

Mucho éxito y gracias Rodrigo
A ti Luis.

Debo también ser bueno para estar con mi amor

Entrevista al elenco de “Las Solteronas” el musical
a cargo de Funámbulo poducciones

Con un elenco integrado por Héctor Ramos, Jorge Manuel, Aurika, Luis Llama, Ale Ojeda, Karen Martínez, Lucila Castillo, Isabel Quiroz, Beatriz Toss, Karen Cortázar, y la musicalización en vivo a cargo de José Luis Ruiz, Antonio Sanz, Omar Rincón y Luis Fernando Soni la compañía Funámbulo producciones presentó exitosamente su trabajo escénico “Las solteronas” el musical bajo la dirección del joven y talentoso estudiante de teatro Tony Ortiz. Si bien hay detalles técnicos tanto en el montaje como en el cuerpo narrativo que deben ser superados en el siguiente trabajo esta propuesta de jóvenes talentos en Xalapa es digna de presentarse al público así como de crecer y desarrollarse en esta su etapa posterior al estreno y primera temporada para así conservarse en el repertorio de la que promete ser una nueva voz del teatro independiente en Xalapa; el tiempo, (como en mi caso, como en el caso de tod@s), dirá lo que tenga que decir.

Funámbulo producciones una función más de Solteronas, el musical, ¿cómo se sienten?
Tod@s.- Bien, muy bien, content@s.

¿Cómo surge este montaje?
T. O.- Esta obra nació como propuesta desde que iniciamos el grupo para empezar y, aunque en aquel momento no se llegó a concretar, en febrero tuvimos nuestra primera presentación. Surgió a partir del interés de hacer teatro musical acá en Xalapa donde varios hemos venido a estudiar, encontré a todas estas personas, algunas otras que ya no están con nosotros y por fin se concretó esta inquietud por el teatro musical en esta obra.

B. T.- Creemos que es una forma diferente de entregar cosas a la gente, independiente del teatro convencional que también nos apasiona muchísimo, pero este es un lenguaje que la gente no suele ver aquí en Xalapa porque son my pocos los grupos que lo trabajan.

¿Qué tal el trabajo de musicalizar una obra de teatro?
J. L. R.- Es un proceso interesante, al principio del proyecto nos cayeron con una lista de veinte y tantas canciones y primero fue a la de ¡Hay que Sacarlas!, ¡Y adaptarlas!, la mayoría se usaron, alguna que otra no, había que darles un estilo de musical aunque fueran de distintos géneros, había que aterrizarlas a una sola línea musical de acción junto a algunos arreglos acoplándonos además como interpretes a la acción de l@s ejecutantes escénicos.

¿Quiénes son sus personajes y cómo los han construido?
K. C.- Mi personaje es Martha, una esposa que finge una situación estable en su matrimonio pero realmente enfrenta un fracaso. El construir este personaje implica desde colaborar con Luis Llama, mi compañero que interpreta al esposo, hasta crear una historia, saber quiénes son, cómo se conocieron, y saber separar al actor y al personaje sirviendo como instrumentos para llevar a cabo su vida en la escena.

B. T.- Yo interpreto a Tania, una persona que se considera muy bonita... (bueno... yo soy bonita, naturalmente, como puedes ver), y todas sus relaciones han tenido un problema por celos y debido a la relación con Martha todo lo que le sucede a ella también le afecta a mi personaje; ella quisiera encontrar una buena pareja que no fuera como todas las que ya conoce.

I. Q.- Mi personaje es Gloria, una mujer que se siente actriz y presume de ser la mejor a pesar de que nunca ha actuado para nada, alardea de que todos andan detrás de ella pues es toda una diva, pero en realidad nada de eso es cierto, se siente en un nivel superior. Para construirla tomé la idea de la diva y deduje referentes de artistas muy famosos de quienes tomé poses falsas y superficiales para actuar o hablar y fue de ese modo que la construí.

L.C.- Yo interpreto a Gaby, la terapeuta de todas estas solteronas cuyo objetivo es que si al final no consiguen un hombre que se sientan bien consigo mismas, una parte del proceso que me parece muy interesante es trabajar la alegría o el optimismo dando ánimo a las personas, esta fue una de las cosas en que me apoyé para la construcción.

K. M.- Mi personaje es Rosa, una niña tímida y muy insegura de sí misma, religiosa e inteligente en cuanto a estudios pero no tanto en cuanto a la vida, y el proceso que llevamos para construir la obra abarcó más de seis meses, para mí conocer a Rosa fue complicado porque había que generar varias cosas de ella, como una flaqueza y vulnerabilidad a pesar de esa fe religiosa que tiene por un dios: fue trabajarla a partir de música que pudiera escuchar, personas que pudiera conocer, viendo lo que pudiera interesarle ver.

A. O.- Yo interpreto a María, una cuarentona que ha tenido mil quinientos novios a lo largo de su vida, y a pesar de lo feo que le ha pasado mantiene un optimismo y alegría, aunque en su interior siente que se está pudriendo de dolor. Cuando Tony nos dio el texto nos dijo sus requerimientos pero nos dio la libertad de darle nuestro toque, nos ayudamos mucho, los primeros ensayos eran de elaborar su historia, conocerlas, conocernos entre nosotros, una psicología de personaje en la cual creo que Tony se ha esmerado mucho.

Muchachos y Aurika: ¿Qué tal fue acoplarse a la acción de los personajes con personajes ocasionales, llegan a acoplarse a lo que hacen las chicas o hacen un proceso de construcción con cada personaje incidental?
H. R.- Diría que es como un sesenta / cuarenta. Al principio el director nos pidió que realizáramos una historia previa del personaje, no nos dio una guía sino la libertad para proponer y a partir de la relación con los ejecutantes fueron acoplándose las cosas.

J. M.- Yo también cuando llegué me dieron una idea del aspecto de mi personaje y la relación que debía mantener con Rosa, fue trabajar construcción y coreografías.

A.- Sí hubo un trabajo, pero fue un vínculo de las acciones de cada uno de los protagonistas, hubo búsqueda hasta encontrar lo que sirviera.

L. Ll.- A mí me gustaba que cuando estos personajes aparecen en un momento hay que aprovechar estos pocos minutos para denotar toda su personalidad, definir si esto sirve para que se vea más tierno o más tonto, explotar al máximo el momento en que apareces, aunque estemos detrás moviéndonos es importante desarrollar estos aspectos fundamentales del personaje.

¿De qué habla la obra?
K. C.- Narra la historia de cinco personas que con ayuda de una sexta superan este sentimiento de fragilidad para tomar seguridad y enfrentar la vida con otro punto de vista.

L.C.- Cuenta los diversos problemas de mujeres, como son inseguridad, tal vez el ser muy enamoradizas, la fragilidad; todo a distintas edades y circunstancias.

K. M.- Es una comedia muy rica y muy linda que, con ayuda del director, hemos logrado trabajar, creo que entras y sales con muchas esperanzas.

A. O.- ¡Arriba las solteronas!, vengan a vernos, estamos trabajando un par de proyectos más, ya les pondremos al tanto.

Felicidades y gracias.

Dudas y Razones sobre Dos is…

Entrevista a Alejandra Rodrigo y Jimena Carrillo,
actrices en Justine y Juliette,
adaptación escénica de las obras del marqués de Sade.

Alejandra y Jimena, una función más de Justine y Juliette, obra que han montado junto a Rodrigo Tripp basándose en textos del Marqués de Sade, ¿Cómo están?
A.- Bien, estoy muy contenta de haber regresado a Xalapa con esta obra, veo que sigue habiendo mucho público en Xalapa lo cual me da muchísimo gusto.

J.- Muy feliz, estoy contenta de trabajar con Rodrigo y Alejandra y ya me urgía regresar a la escena, después de esta pausa necesaria regresamos a este foro a dar funciones.

La obra es muy interesante en cuanto a una expresión escénica de textos narrativos, díganme ¿Quién es el Marqués de Sade?
A.- Un humano que se preguntó cosas, justo antes y durante la revolución francesa empieza a contribuir desde sus novelas e intelecto a una revolución de las ideas, un despertar humano respecto a las fantasías, cuestionamientos naturales y la represión que sigue estando vigente. Fue un hombre al que catalogaron como loco, por lo que se vuelve más interesante pues su discurso sigue siendo vigente.

J.- Un ser humano que se dio la oportunidad que muchos reprimimos de hablar de temas tabú que para su época fueron escandalosos, los muestra de una manera brusca pero sincera finalmente.

¿Estos dos personajes que han construido quiénes son?
A.- Juliette es una mujer que creció con reglas estrictas dentro de un colegio religioso y cuando llega la tragedia familiar se separa de su hermana, pero ya antes se había cuestionado sobre sus fantasías, y lo que tienen que ver con la naturaleza y con el pensamiento reglamentado por la religión, ella decide combatir todas esas reglas para vivir únicamente por su felicidad, y cuando transcurre el tiempo empieza a dudar y esto es lo que la vuelve más fuerte para seguir cuestionando, lo más interesante son esos momentos en que cae en la duda, es un personaje que se está cuestionando constantemente.

J.- Justine es una mujer firme en sus convicciones, tuvo la misma educación que su hermana, es una persona creyente que ama a Dios sobre todas las cosas y durante su vida pasa por acontecimientos que le hacen dudar de esa omnipotencia de Dios, y se termina por cuestionar como pueden suceder cosas tan aberrantes si es que hay un Dios, sin embargo, a pesar de todas las cosas que la marcan, se mantiene en esa fe, aparentemente se muestra débil pero dentro de esa fragilidad está la más grande fortaleza de una mujer llena de fe.

¿Hay fuentes o marcos conceptuales de que se hayan alimentando para su construcción tanto en el discurso como en lo visual?
A.- Usamos un poco de ballet, y un poco de lenguaje físico, no hay ninguna teoría que te pueda dar una fórmula para hacer un trabajo de creación, nos basamos en la imagen y las intenciones, un concepto que usa Rodrigo y que me gusta mucho es el de un brujo que dice la cosa y la cosa se hace, siempre que comienzas un trabajo empiezas desde cero, tienes que encontrar tu propio método, no es lo mismo abordar un personaje que otro aunque sea la misma obra. Y cada función es distinta, cada nueva temporada cambiamos cosas y probamos cosas, porque el humano cambia, esta Xalapa por ejemplo no es la misma Xalapa en que habitamos hace años.

J.- Creo que es necesario contextualizarse en la época, costumbres, movimientos y ambientes. Hay muchos sucesos que marcan esta época, es importante hacer imágenes, a mí en lo personal me ayuda encontrar estas imágenes que me ofrecen esta contextualización. En cada ensayo y previo a la función encontramos cosas distintas. Es importante también que cada función te lleves algo nuevo, vas encontrando esta gama de imágenes que los personajes te están dando.

Hay funciones este fin de semana, ¿no?
A.- Así es, 1 y 2 de octubre a las 8:30 en el foro la Astilla, Magnolia esquina Alamos. Sigan asistiendo a la Astilla y al teatro, es importante la conciencia que despierta el arte, no sólo el teatro, ojalá nos nutramos de esta conciencia y de la belleza que el humano puede generar, sobre todo porque como artistas a lo que más le apostamos es a la comunión.

J.- Que vengan porque no se van a arrepentir, se llevaran cosas que reflexionar y comentar, nosotros trabajamos para el público y lo que deseamos es seguirlo teniendo.

Ultima pregunta como espectador, de Justine y de Juliette quien tiene la razón

J.- ...
A.- Ninguna
Buenas noches.

El guiñol y sus consecuencias

Entrevista al elenco de El retablillo de don Cristóbal

A mis veinte y nueve años de edad, (es calvicie prematura, no se sorprendan), estoy aún a tiempo de darme licencia y lanzar una hipótesis que se abra a la rica y gran posibilidad de ser defendida o rebatida en el futuro; me atrevo a asegurar que en caso de que en La Coruña haya habido titiriteros el niño Francisco Franco Bahamonde nunca enfundó en su mano un Guiñol.

David, Denisse, Fernando y Lorenzo, una funciòn màs del retablillo de don Cristóbal, ¿Cómo están?
L. P.- Bien, un tanto cansados.
D. V.- Cansados pero felices
D. A. E.- Bien

Entonces, esta obra es de García Lorca ¿Qué es lo que se conmemora?
L. P.- Más que conmemorar es recordarle, aunque es un autor que está presente en la literatura, en la poesía y en el teatro lo está realmente poco en el arte de los títeres, entonces decidimos montar esta obra no pensando tanto en estos setenta y cinco años, sino en que el texto nos encanta.

Como bien indican en su programa Lorca fue un autor que con esta obra rompía un tanto con el teatro "de buen gusto" ¿No es así?
D. A. E.- En cuanto a la crítica política él siempre dijo lo que pensaba, creo que en todas sus obras refleja los más hondos vicios de la sociedad; en su forma y estructura aunque finalmente le entró al teatro burgués pero siempre insertó una crítica social y dentro de la época que le tocó. Lorca escribió y dirigió esta obra, el era un amante de los títeres, también hizo la música al piano, actuaba incluso en la obra, en el papel que ahora hace Fernando, al estar tan vinculado seguramente no le fueron tan importantes las indicaciones técnicas teatrales.
Los guiñoles son seres escénicos con mucho carácter por sí mismos ¿verdad?
L. P.- Sí, esta obra ha sido muy montada incluso por actores, aunque nosotros por lo general tomamos textos teatrales y los adaptamos a los títeres; es sorprendente en este caso el que es una obra escrita específicamente para títeres y que sea muy tomada por actores.

Aunque la cabeza humana y la del títere reaccionan diferentes al cachiporrazo, ¿Cómo están hechos estos títeres?
L.P.- Se refuerza donde van a ser los cachiporrazos para que aguante, la cachiporra también tiene su técnica, hay todo un estilo de cachiporra, incluso el propio Lorca escribió una farsa sobre la cachiporra donde es un elemento fálico pero también justiciero. Digamos que para lo popular hay muchos recursos.

D. V.- Una de las cosas que pide el texto es el cuello largo, de hecho pide específicamente un metro, y es que justo en esa época es un gag, viene de la comedia del arte traducido de alguna forma, lo de la cabeza o tantas otras cosas y acciones, Lorca conocía muy bien el lenguaje del Guiñol, finalmente los textos van proponiendo las acciones.

L. P.- Hay una anécdota en que él hace una entrevista a los viejos Andaluces que vivían en el barrio donde él nació, y lo recordaban como al niño, como un hombre que se había ido a la ciudad a estudiar filosofía y literatura, no lo entendían, lo recordaban como un niño inquieto que hacía títeres de cartón mientras la tía le recortaban los vestuarios y entonces Rosita o la solterona es un personaje que andaba en el poblado, el viejo de la luna era otro, recurrió a personajes de su barrio.

¿Habrá más funciones?
D. V.- Dado que la temporada ha tenido mucha demanda vamos a extenderla los sábados de octubre 9:30 pm, y mañana hay función, en el rincón de los títeres tenemos el programa titiridomingos, son tres funciones a las 12:30, 5:00 y a las 7:00, la obra que está en cartelera ahora es el retablo vagabundo que retoma tres cuentos del maestro Javier Villafame, es para toda la familia.

¿Algo más en que quisieran ahondar?
F. S.- A mí me motiva mucho la participación dentro de este espectáculo porque es un gran reto hablar desde la visión de Lorca, lo que el pensaba y de lo que en este momento también yo siento muy acorde con nuestro tiempo en cuanto a llenar el teatro de espigas frescas, entonces hay una empatía desde mi visión sobre lo que Lorca manifestó hace más de 75 años, y eso es un gran reto porque cada una de las palabras están cargadas de vida, es un texto muy rico y es un gran reto después de tantos años revivir a Lorca en nuestros días.

Tiempos en que hay una circunstancia con la que también hay una empatía padeciendo circunstancias violentas y estúpidas creo yo. Lorca, al fin y al cabo, un poeta que, como bien dijo Aarón, expresó lo que pensaba con sus respectivas consecuencias. Amigos, muchas gracias.
http://www.merequetengueproducciones.com/default.aspx

Sol

...Todos los nombres son un solo nombre,
todos los rostros son un solo rostro,
todos los siglos son un solo instante,
y por todos los siglos de los siglos
cierra el paso al futuro un par de ojos...

Mari Carmen muchas felicidades por tus cincuenta representaciones. Tú, además de actriz eres maestra, muchas personas en Xalapa han tenido su primer contacto con el teatro por mediación tuya, lo que has hecho es un trabajo muy interesante ¿Cómo estás?
Exremadamente contenta, es una mezcla de muchas emociones, cansancio también para ser sincera, llegar a un evento así, organizarlo, me imaginaba "antes de" a lo que me iba a aventar, pero eso era lo de menos, así que es una mezcla de sensaciones encontradas, pero lo que más resalta es esta gratitud, belleza, todo lo que hay de hermoso del teatro en mí, a mí me gusta hacer teatro, lo disfruto y comparto con todo el amor y cariño con que lo tomo, me gusta compartirlo. Mis alumnos son algo muy satisfactorio, pero es también compartir con ellos el momento, estar juntos haciendo lo que nos gusta porque nunca ha sido obligatorio, siempre ha sido desde el gusto, tomarnos de la mano y ¡vámonos!... y siguen, y estudian en la universidad, nos seguimos viendo, retro alimentando, compartiendo puntos de vista, seguimos creciendo, me gusta mucho seguir su proceso y compartir las nuevas cosas que están descubriendo.

En su formación y en sus carreras, has formado a alumnos que son ya tus compañeros profesionistas.
Es dejar de verlos como gente más pequeña, dan ese enorme salto y somos colegas, una luz igual y eso me da muchísima satisfacción. De repente cuando ya me doy cuenta de lo que se ha logrado, y creo que mis maestros se identifican de esa manera. Es lo que aportas para el teatro, gente conciente, que haga las cosas importando el gusto propio por hacer, con amor y entrega, arriesgar, es lo fascinante del teatro, no quedarte sino ir más lejos hacia esa búsqueda, como una lucha de guerreros.

Un renacimiento ¿no? Como el sol
Piedra de sol es un ritual que nace y stermina cada función y va interminable, hace tres años yo inicié con este proyecto, la verdad sin mucha visión de a dónde llegaría, un proyecto que he mantenido y que seguramenbte voy a mantener por mucho tiempo más porque sigue dándome cosas, sigue invitándome a proyectarlo en escena agradeciendo el entusiasmo de Enrique, que desde que lo conocí ha sido una conexión muy especial, desde sus creencias y aportaciones respecto a las energías del sol y de la luna, y el poema en sí, creo que hemos hecho una buena mancuerna entre los dos para seguir presentándolo por mucho tiempo.

¿Liliana cuando se sumó al proyecto?
Estuve como medio año sola, nadie se metía, me metí a diseñar la partitura de movimiento, la cuestión técnica de memorizarlo, analizarlo, dividirlo. Una primera función, o muy pocas se hicieron con música grabada, con un vestuario distinto y así di la primera función en la ciudad de Córdoba, me concentré medio año más en investigar más a fondo, Enrique se suma y Liliana entra ocho meses después de haber empezado el proyecto, y ya era muy importante continuar con el trabajo desde la escena con el complemento del apoyo externo.

Un esfuerzo al que se sumaron otros esfuerzos de la misma forma que tú ahora te estás sumando al esfuerzo de Paz
Mi mamá incluso al diseñar el vestuario, proponerlo, aunque ella no tenga que ver con esto, salvo tener una hija actriz, (que no es poco). Las personas y los elementos que han llegado han llegado en el momento preciso y eso ha sido mágico para mí. De repente pensar y de repente tener el material para trabajar. Todo ha llegado en el momento exacto.

Convertir en un drama un texto que no lo era es algo que no es fácil hacer, una novela o cuento, pero ¿Poesía? ¿Cómo?
Eso es algo que debo agradecerle al maestro Abraham Oceransky, pues en la escuela a veces nos encasillan a trabajar sólo con textos dramáticos, y cuando llegas al medio es como abrir los ojos y darnos la oportunidad de tomar cualquier texto, puedes sacar toda una obra de una frase, o un texto, en su momento trabajamos una novela de la que tomábamos escenas y elegíamos que hacer de mil formas, aprendes a dirigir escenas e ideas y cuando me encuentro con este texto inmediatamente me identifica y me conecta cosas. Trabajar con textos que no son dramáticos lo aprendí gracias a Abraham.

¿Por qué Piedra de Sol? ¿Qué más has leído de Paz que te guste?
Piedra de Sol llegó en un momento especial de mi vida, conocí el poema muchísimo tiempo antes de que me decidiera a montarlo, en un gran encierro de teatro durante un diplomado en Oaxaca donde me dan un fragmento. Pasó mucho tiempo y de repente cuando me encuentro en la necesidad de buscar qué trabajar me acuerdo de lo que había leído. Piedra de Sol es similar a un poema que también me gusta que es "Muerte sin fin" de José Gorostiza, cosas similares con otras metáforas y otro estilo, me encantaba, era mi poema favorito, y cuando encontre el de Paz era identificarlo como algo más mexicano, más cercano a mí y por eso decido montarlo. Había leído ensayos de él, algunos poemas que no terminaban de convencerme del todo.

Le estás salvando el trasero a Paz, tomando en cuenta que la única vez que incursionó como dramaturgo no tuvo muy buenos resultados.
De los estilos que maneja él, creo que Piedra de Sol es poéticamente el más hermoso y el más completo que tiene. Escogí el poema por la conexión, estaba pasando por algo en mi vida en que necesitaba decir lo que el texto contiene, por aquella época recuerdo que tenía la oferta de un proyecto de teatro que al principio le dije que sí, pero al poco tiempo tuve que dejarlo porque además de que exijían demasiado tiempo y quitarle a mi propio proyecto, cosa que no permití, me di cuenta que como artista no estaba en aquel canal, con los actores no estas alejado de expresarte como cualquier artista, y el poema era lo que necesitaba expresar desde mi propia existencia, experimentando un vaivén sentimental sin saber si las cosas volverían a ser como antes, viviendo la soledad y eso como artista me llenaba, era un desahogo y una búsqueda y empezaba esta fascinación, fue convertir todo lo que pasaba a través del montaje, aunque las cosas cambiaron el montaje sigue, los momentos de reencarnación se van conectando, son momentos por los que que todo mundo pasa, siempre hay personas a quienes la obra les mueve más y hasta lloran, es algo vivo finalmente, algo que necesitamos vivir, algo que necesitamos, la búsqueda de amor, de paz, de felicidad, el acompañarnos como seres humanos. Es quitarse las máscaras como dice el poema.

Uno está acostumbrado a abordar el drama desde el discurso del personaje, ¿puedo preguntarte quién reprsenta el poema?
En el poema si ubico dos personajes base, aunque no hay una dramaturgia como tal para mi si es indispensable visualizarlo así, para mí el poema es el desarrollo de una esencia que está en la muerte reflexionando sobre la vida, como actriz esto me ayuda, desde la muerte es un renacer y vivir.En cuanto a la interpretación no hay más que recordar que fue un proceso personal, que sucedió a partir de necesidades que siempre hay, la interpretación es mucho de cómo yo veo la vida, cómo me gusta vivirla, cómo la proyecto y a la par queda el teatro, una combinación de música, poesía, arte que cuesta pero que está.

¿Algunos proyectos preparándose?
Pues el maestro Abraham me ha invitado a participar en su taller y es posible que pronto esté participando proximamente.

Muchas felicidades Mari Carmen y muchas gracias
Gracias a ti.