Un demonio recorre Xalapa

Entrevistas al elenco de la obra Encrucijada

Adaptación al español de Las brujas de Salem de Arthur Miller
bajo la dirección de Mauricio Jiménez
y que presenta este fin de semana sus últimas cuatro funciones
Jueves y Viernes 8:00 pm Sábado y Domingo 7:00 pm
en el foro Fernando Torre Lapham
de la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana

Le diré una sola y sencilla cosa: si usted disfruta de la actividad cultural en Xalapa y continúa haciéndolo dentro de un tiempo, digamos un par de años, se detendrá un momento a contemplar lo que nuestra ciudad ofrece, indagará rápidamente en la trayectoria de los principales creadores y entonces lamentará haberse perdido de “Encrucijada”, un trabajo que marca una pauta y un cambio en el quehacer teatral reciente de esta ciudad. Aún está a tiempo este fin de semana para ir, ahórrese esta molestia futura, vaya, aún está usted a tiempo de salvarse.

Mauricio Jiménez con el apoyo de Karla Paola Torres Jaime y Manuel Domínguez, así como un trabajo plástico funcional y sobrio a cargo de Fernando Payán, Ángela Eguía, y Eduardo Mier entre otr@s ha logrado ofrecer un trabajo al público Xalapeño a la altura de lo mejor que se ha hecho en esta ciudad capital. En la presente los involucrados directos nos comparten parte de su experiencia.

Entrevista a Gerardo Hernández / Gilberto Corella

Gerardo, interpretas a Gilberto Corella en la obra Encrucijada y acabas de dar la función de estreno, ¿Cómo te sientes?
Me siento bien, pensé que iba a estar nervioso, pero no, estoy tranquilo y fue una buena función dentro de lo que cabe.

¿Cómo has construido a Gilberto Corella?
A partir del análisis de la obra comenzamos a investigar el por qué dice el personaje determinado texto, y a partir del porque lo dice yo fui sacando cuál era su personalidad, Gilberto Corella al aparecer en el primer acto hace algunos comentarios irónicos y llegué a la conclusión de que es una persona mayor y que no se encuentra preocupado pues no cree realmente que el asunto sea algo que tenga que ver con brujas, y como dice también su mujer, Rebeca, él ha tenido muchos hijos, muchos nietos y sabe muy bien de que se trata el juego; después se convierte en un hombre violento, bueno, es un hombre de campo, territorial y defiende mucho lo suyo, se transforma cuando afectan a su mujer, sobre todo porque es en parte su culpa al dar datos que la perjudican, él siente ese pesar.

También vislumbra el trasfondo socio económico del asunto, tu personaje es quien lo señala.
En efecto, la acusación es mayor, en esta adaptación lo recortamos un poco por motivos de tiempo, él conoce los juicios, no se menciona pero es probable que Ríos y Corella ya se hayan encontrado antes en la corte, conoce la situación e intuye las intenciones de Ríos, menciona que él es quien tiene el dinero para comprar las tierras que se abandonan por la situación y de hecho el mismo Ríos genera la situación. en la obra original había de hecho una escena donde Ríos obliga a su hija a acusar a Jacobo de brujería, sabe que Jacobo no va a mentir, que no va a decir que es brujo, lo colgarán y podrá echar mano de sus tierras, Gilberto sabe esto y lo usa como un argumento.

Algo más que quisieras ahondar sobre tu proceso de construcción
Solamente que se elaboró a través del análisis del texto, con Manuel Domínguez y Mauricio fuimos haciendo las cosas ensayo y error, ensayo y error y así lo conseguimos.

Entrevista a Gustavo Schaar Prom / Elías Trejo

Gustavo Schaar eres alumno de la facultad de teatro e interpretas al juez Elías Trejo. Noche de estreno ¿Cómo te sientes?
Pues alegre por haber terminado la etapa de montaje y a la vez emocionado por la siguiente que es la temporada, pero en general relajado.

¿Quién es Arthur Miller?
Un conocido autor en cuyo texto nos basamos para esta obra, lo que hace Miller en este texto es una tragedia en un pueblo, lo ubicamos más o menos a principios de siglo 20, con mucho conflicto de tierras.

¿Quién es tu personaje?
El magistrado Elías Trejo, quien viene a poner orden a este pueblo, el es traído de una ciudad, es una autoridad preparada e inamovible.

Es una figura de autoridad ¿Cuál es su conflicto?
Si, la de mayor autoridad de hecho, el juez no unifica, el pueblo está partido desde hace mucho, lo dice claramente Juan Alvear, hay venganza que no es nueva, siempre ha estado latente, el juez ha venido a resolver ese problema, esa presencia, ese diablo que está aquí, es un pueblo teocrático y Elías es entonces la ley de los hombres y también se presenta como la voz de dios.

¿Quienes complementan ese poder? Veo que apareces en compañía de un cura y una abadesa ¿Quienes son ellos y qué relación guardan con tu personaje?
La abadesa es una experta en demonios, que viene a este pueblo investigando a esta niña, Beatriz, que aparentemente está poseída, el cura Parres es un párroco que a diferencia de Elías no tiene poder, nadie lo respeta, y también hay otro personaje: Teodora, una lugareña a quien el cura Parres le da el poder de ejecutar las sentencias, es el brazo armado de esta ley, puede encarcelar e interrogar.

Este poder de fuera llega entonces a juzgar al pueblo local, es una imposición ¿No es así?
Si, pero no sólo es una imposición, la mitad del pueblo quiere que ellos estén ahí porque ellos no pueden solucionar solos sus problemas, desde ahí ya hay desunión, personajes como Juan Alvear no quieren que venga la abadesa, los Corella tampoco, pero ves a los Ríos, que son los caciques e incitan al cura Parres. Yo pienso que Juan Alvear es el héroe trágico de la historia, pero la tragedia abarca todo, todo el pueblo se derrumba, Parres en el último acto ya está demente, La abadesa ya reza por inercia, es el más bondadoso de todos y termina hecho pedazos, y Elías tiene la conciencia fragmentada porque es su culpa que el pueblo esté hecho cenizas.

¿Algo más?
Nada, pues que vengan, estaremos Jueves a Domingo hasta el cuatro de septiembre.

Entrevista Víctor Montalvo de la Rosa / Tomás Ríos

Víctor, has estrenado esta obra el día de hoy ¿Cómo te sientes?
Pues muy feliz, siento que un proceso concluye y otro proceso inicia que es la temporada y todos estamos en expectativa intentando realizar el mejor trabajo posible, siempre buscando lo mejor.

¿Cómo ha sido el proceso?
Fue difícil al comienzo, porque es enfrentarte a un director de una talla muy grande como es Mauricio Jiménez, eso te confronta mucho contigo, con tus intereses, con tu concepto de teatro, con tu concepto de actuar y que tanto estás dispuesto a dar para lograrlo. Es un proceso largo y difícil a lo largo del cual muchos tuvieron que irse, y algunos otros nos quedamos, por convicción, por amor, por odio, por necedad de querer estar en escena y aprendimos mucho.

Tu personaje es el cacique del pueblo, ¿Quién es Tomás Ríos y cómo lo has construido?
Lo empecé a justificar a partir de la necesidad que tiene por tener un heredero varón, por esa necesidad de tener tierra, entonces el dolor ocasionado por lo del fallecimiento de sus niñas, en el texto original de Arthur Miller son ocho niñas, lo empecé a justificar a partir de ese dolor para que no quedara en ese estereotipo de "el malo", es una persona que al igual que todos sufre y ese dolor es lo que motiva una búsqueda y justificación para llegar incluso a cortar cabezas, una justificación que va más allá de toda lógica contemporánea, él no sabe que es lo que pasa y en su contexto sólo puede atribuírselo al demonio.

El juez, la abadesa y el cura son los tres nodos de poder en la obra, filosófico, político y religioso en el poblado, y de alguna manera tu personaje y su mujer sintetizan el poder económico, ¿Cómo es la relación de este personaje con los otros signos de poder de la obra?
Yo siento que se forma un vínculo de ambición, sobre todo con el reverendo Parres, son cómplices de lo que está pasando.

¿Te gusta el trabajo de Miller?
Sí, porque los personajes están muy bien estructurados, todos tienen una historia y se van tejiendo, se relacionan, aunque haya uno o dos personajes principales a todos los personajes les está pasando algo y eso se ve en la escena, es lo que se busca con este tipo de obras, que cada personaje tenga su historia y llega un punto en el que todas se encuentran y tienen sus cinco minutos de totalidad. En esta obra es muy claro, a primera vista lo que van a hacer Juan, o Abigail o Isabel, pero después te das cuenta de que el protagonista es el pueblo, con su descomposición, la venganza, con acusaciones a ciegas, tal vez no conscientes, es el pueblo el que se está destruyendo y es el pueblo el que protagoniza la historia.

¿Algo más?
Pues no, muchas gracias a la Universidad Veracruzana por traer a Mauricio Jiménez, nos ayudo mucho a concretar muchas ideas, a planificar como estudiantes nuestras carreras profesionales como actores de teatro.

Se ve el profesionalismo en este montaje Víctor, felicidades y gracias.
Gracias.

Entrevista a Anali Orantes / Rebeca Baltierra

Analí, tu personaje es Rebeca Baltierra, esposa de Gilberto Corella que además es una persona de mucha experiencia que sufre la injusticia por parte de los poderes fácticos del pueblo en esta historia, ¿Cómo te sientes en esta noche de estreno?
La verdad después de mucho trabajo agradecemos a la Universidad Veracruzana el placer de haber traído al maestro Mauricio Jiménez, fue un semestre de mucho trabajo que espero y se haya visto reflejado. La verdad todos estábamos esperando el día con muchos conflictos como en cualquier montaje pero con la emoción todavía de haber llegado al día del estreno y pues ¡a seguir! como si fuera el primer día.

¿Quién es Rebeca?
Es una de las personas mas grandes del pueblo, con mucha experiencia, muchos hijos, muchos nietos, y ella conoce y lee a todas las personas, no es necesario que le digan las palabras para que pueda saber qué está pasando, sabe cuando las cosas son cuestión de juegos, de rebeldías, tiene ese sufrimiento, esa tristeza de que la gente busca a quien echarle la culpa de sus problemas, y llega un punto en que prefiere no hablar.

Terminan echándoselos a ella, a tu personaje quiero decir.
Sí, sabe que si habla o dice algo se irán contra ella, y en verdad tiene muchas ganas de hablar o decir algo, de gritar pero sabe que en cuanto lo haga la cuelgan en ese instante, por lo que es un personaje muy contenido, aunque su esposo le da mucho humor a las cosas la verdad es que fue un personaje difícil que me costó mucho trabajo porque yo, Analí, soy muy hiperactiva, grito todo el día, con Rebeca Baltierra era mucha contención y creo, la verdad, que ha sido una de las veces que más trabajo me ha costado crear un personaje.

¿Fue un reto?
Fue un reto muy grande, ese nivel de tren de pensamiento, de guardar silencio, guardarse todo eso, observar qué está pasando, que el pueblo se esté volviendo loco.

Además este es un grupo con mucha energía, debe ser más pesado porque debe ser la parte más calmada de todo ese grupo
Si, sabe que si le da cuerda a los demás estos se exaltan, le duele lo que pasa a su alrededor, creamos antecedentes, cuando después de curarla la misma Beatriz le acusa se siente ese dolor. Es una energía que no se manifiesta espectacularmente pero que está presente.

¿Algo más que quisieras ahondar?
No, creo que lo estoy digiriendo un poco, el recibir al público.

Un trabajo y un proceso muy enriquecedor, muchas gracias por tu tiempo
A ti

Entrevista César René Pérez /Juan Alvear

Cesar René, eres alumno de la facultad de teatro, estás representando al personaje Juan Alvear en el montaje Encrucijada, hoy fue la noche de estreno, ¿Cómo te sientes?
Contento por el trabajo que hemos hecho y por el estreno de esta noche. Este montaje es la conclusión de este semestre de trabajo.

¿Quién es tu personaje?
Es Juan Alvear, es en quien recaen muchos de los hilos de la historia, es como si de todo esto que pasó en el pueblo tomaran una sola historia de tantas que hubo y este es Juan Alvear, un hombre de campo, trabajador, padre, esposo, que lleva sobre sus hombros un gran peso de culpa porque en su vida había logrado todo lo que quería que era una esposa, una casa, hijos, paz, una vida de mucho trabajo, y a partir de un error que él cometió carga en sí la culpa.

Que su mujer refuerza
Si, la mujer yo creo que como es una persona inocente, absoluta en lo que ve y en lo que siente, creo que lo que no perdona es que Juan aún sienta algo por Abigail.

¿Cómo has construido este personaje?
En el taller todo comenzó a partir del análisis de la obra, es decir nos enfocamos a todos los elementos humanos que influyen en esta historia, no al hecho histórico como tal sino humanamente, ¿Por qué actuamos de esta manera?, ¿Por qué suceden las cosas?, ¿Cuál es toda esa vileza?, o todo ese amor que uno puede traer encima, y a partir de eso es que empezamos a crear los personajes, no es que queramos remitirnos a una época antigua, a un suceso concreto de Massachussets, nuestra intención es descubrir todas las cosas humanas que suceden en esta obra.

El mismo Miller sólo hace un par de anotaciones históricas al principio de su texto y al terminar admite que el resto es creación suya. Entonces ¿Este personaje es creación tuya?
Pues, si, en compañía del maestro, el se ha dedicado mucho a meter en esto lo que es el análisis del texto: lo que piensan, por qué hacen lo que hacen y uno empieza a encontrar las analogías de nuestra propia vida con la del personaje, como el amor de Juan por su casa, pues uno ama también cosas, también uno trae culpas.

Participaste en Cómo hacer Frijoles de Marla Espinoza y en Pabellón Gardenias bajo la dirección de Carlos Converso también ¿No es así?
Si, así es.

¿Cómo complementas tu formación como actor?
Para este montaje con toda la formación que en la facultad nos han dado, y como uno que quiere ser artista, de toda la vida, de todo lo que me ha pasado, de eso uno se alimenta y mi formación la complemento tratando de buscar lo que siento que me hace crecer como un ente escénico, es decir: donde siento que puedo establecer un contacto conmigo mismo, lo que quisiera compartir con otras personas, hay cosas físicas, tengo una conexión con mi cuerpo que me gusta y trato de desarrollarla con clases tanto de acondicionamiento físico como clases de teatro como las de Víctor Camas o Rodrigo Angoitia. Intelectualmente me gusta leer a los teóricos, más que obras de teatro me encanta leer a grandes creadores escénicos como Tadeusz Kantor o Meyerhold, todas estas teorías que más que intelectuales son sensibles, son poéticas, es una manera poética de ver la escena y eso me gusta porque en lugar de decirte en incisos como se hace la escena te dice “qué” es la escena desde un punto de vista sensible, cómo tu puedes encontrar tu lenguaje escénico. Y sensiblemente me complemento con mi vida, con lo que me pasando día a día, y tratando de vivir profundamente.

Lenguaje que has encontrado, que transmites y que se ve, muchas gracias.
Gracias a ti

¿Algo en que te gustaría ahondar?
Invitarlos a nuestro trabajo que se llama Seis en punto con mi colaborador Yair Gamboa.

Pues muchas gracias.
A ti.

Entrevista a Laura Castro / Teodora

Laura Castro, alumna y futura egresada de la facultad de teatro en muy poco tiempo, ¿Cómo te sientes en esta noche de estreno?
Es raro, los estrenos son raros, es la primera vez que actúo en el foro, y me siento bien porque a pesar de lo imprevisto del trabajo creo que si valió mucho la pena. Estoy nerviosa, cansada, es un buen inicio.

Y es un buen trabajo
Pues yo creo que sí, lo sentí bien, todo el proceso que yo tuve fue de una semana y media, agarrando el ritmo rapidísimo de lo que quería proponer Mauricio, de lo que la obra propone, y el trabajo con los compañeros, creo que si se armó un buen equipo de trabajo.

En el texto original lo que se propone no es una alguacila sino un alguacil que es un personaje ocasional sin mayor carácter. Tú lo has dotado de un carácter, ¿No es así?
Es un personaje complicado en el sentido de que aparece en el segundo acto, entonces tiene muy pocas intervenciones, pero toda su presencia está sobre lo que afecta a los personajes y sobre la circunstancia que se está viviendo, yo creo que ese fue el mayor reto, estar como al pendiente e ir creando todos esos estímulos alrededor de la obra para ver de que manera afecta a Teodora esta desgracia, fue divertida la Teodora, divertida, entrona, el maestro me guió, pero la verdad sí hubo mucha libertad de creación.

¿Y cómo has construido a Teodora?
Escuchando, mi método fué el siguiente: entrar a los ensayos, escuchar, y empezar a dejar afectarme por todo lo que estaba ocurriendo, generando este estado etílico y agresivo, pero también con mucho miedo, es decir a este personaje le pasan encima y ve las cosas precisas para descontrolarse, Teodora no puede estar sobria porque no tolera la realidad tal cual, y la va a afectar.

Por que esa fuerza que Teodora enseña en realidad es una simulación que nace de un poder que le da la autoridad ¿no es así?
Sí, fíjate que el antecedente de Teodora es que era la sastre del pueblo, empieza el problema de las brujas y la nombran oficial, entonces esta mujer pues de ser nadie y de ser la borracha del pueblo, le dan un poco de poder y se empieza a vengar de quienes son más que ella, como Gilberto, Juan, Isabel, obedeciendo las ordenes pero también esta afectada. Quizá no enemigos pero si personas de las que sestaba celosa, cuando una persona no tiene ningún poder e intempestivamente le llega te afecta tener el pendón y estar al lado del juez, como un perro de batalla, pero un perro de batalla muy noble, porque se aproxima a los personajes de una manera así, muy noble, creo que este personaje tiene un tren de pensamiento fuera de todo lo que la realidad ofrece, interviene pero no comprende todo lo que pasa, pura escucha.

Muchas gracias. ¿Algo que quisieras ahondar?
Nada, que vengan, aquí vamos a estar.

Muchas felicidades Laura

Entrevista Martín Zapata / Director de la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana

Maestro Zapata, ¿Quien fue Arthur Miller?
Es uno de los dramaturgos norteamericanos más importantes, con una dramaturgia muy potente en cuanto a trama, a contenido de personajes, a las ideas que maneja y comunica al espectador, me parece uno de los pilares de la dramaturgia universal.

La obra en cuestión, cuyo titulo original era Crisol y que el maestro Jiménez vuelve a nombrar como Encrucijada ¿De qué trata?
Seguramente la gente conoce la historia, hay muchas versiones cinematográficas, es un poblado donde empiezan a circular rumores de gente involucrada en brujería, empiezan a hacerse una serie de juicios donde no se sabe a ciencia cierta si hay una presencia del demonio o si la presencia del demonio es la psicología de os que culpan a los demás para salvarse a ellos mismos y a veces echar mano a las posesiones de los demás.

Me parece que la obra surge en el contexto del Macartismo en los cincuentas
Sí, insistían en salvarse por culpar a los amigos.

¿Y ahora qué nos dice?
Yo creo que la gran literatura dramática siempre es vigente. Esta obra fue adaptada por los maestros Emilio Carballido y Luisa Josefina Hernández, a partir de ese texto el maestro Mauricio Jiménez realizo una adaptación que ubica en México. Entonces yo creo que el hecho de ubicarla en un hecho pasado siempre encuentra un rebote con la época actual, yo creo que habla de muchas cosas, habla de la maldad, de los principios, de hasta donde una persona se vende o no se vende, la conservación de la integridad, yo creo que son temas que pegan mucho en el ámbito del espectador.

¿Algo que quisiera agregar?
Este proyecto es una colaboración con la Escuela Nacional de Arte Teatral, es mediante un acuerdo que el maestro Mauricio Jiménez que él está aquí desde hace seis meses para montarla, en un convenio de colaboración en el cual podemos llevar obras, traer obras acá, fue una experiencia fundamental en el desarrollo de la facultad el poder contar con Mauricio Jiménez que es un director con una amplísima experiencia y larga trayectoria, es uno de los mejores directores del país.

El maestro Jiménez estuvo de hecho por aquí el año pasado mostrando una obra, ¿no es así?
Sí, "El asesino entre nosotros" de su autoría. Para nosotros fue fundamental el trabajo que realizo con los alumnos, Es importante verlos a ellos enfrentados a una exigencia de ese tipo.

Son cosas muy importantes, que bueno que esto se esté haciendo ahora, muchas gracias maestro Martin Zapata.
Gracias a ti.

Entrevista a Carolina Marín / Cora

Carolina, la cuarta función de este montaje de Mauricio Jimenez, encrucijada, tienes un personaje de suma importancia, el personaje místico, el personaje que habla con los muertos, en su momento te preguntaré quien es este personaje, pero ahora quiero saber ¿cómo te sientes?
Cansada, contenta y energetizada aunque suene contradictorio.

Es un trabajo muy energizante el tuyo, latigueas en el piso. Un trabajo físico considerable, ¿Verdad?
Así es, con Mauricio Jiménez lo que hicimos fue que cada uno tenía que encontrar de forma teórica, en la mesa, el objetivo, las circunstancias y la situación de cada uno de nuestros personajes en cada escena, y ya con eso en papel fue que lo pasamos a los ensayos, donde no era tanto que nos preguntara ¿Qué habíamos escrito? sino que llegábamos con el texto memorizado y lo empezábamos a pasar como nosotros entendíamos y el nos detenía para hacernos observaciones, cuando la abadesa toca a Cora ella se quema al no ser ella cristiana, en realidad mi personaje no es que vea al demonio como lo ve el resto del pueblo, como un ser monstruoso y malvado. Cora habla con espíritus, con gente muerta o que no ha nacido y eso no es nada malo, es su religión, su tradición y costumbres, aunque sabe que existen espíritus malvados ella no es una bruja negra y tampoco hace tratos con ningún demonio. Cuando la monja la toca literalmente la está quemando, hay un conflicto interno porque ella sí quiere ser una buena cristiana, pues esta viviendo con estas personas desde hace quince años, ella quiere ser una buena cristiana pero no puede evitar seguir hablando con los personajes.

De hecho tu personaje no acusa como los demás, tu personaje no es cínico
Es un poco más complejo que eso, porque si miente cuando dice que vio a Olga y a Sara, y cuando dice que hay brujas, es mentira, y lo tiene que decir para que no la ahorquen, todo su ser reacciona a toda esa creencia.

¿Reaccionas con verdad entonces no? Tu actuación es sincera
Si, mi personaje dice la verdad y miente al mismo tiempo. Se fue construyendo con algunas cosas que me decía Mauricio y lo de mentir a veces y a veces decir la verdad eso fui creándolo yo.

Un personaje importante y lo desarrollas muy bien, felicidades.
Gracias

Entrevista a Deyhdra Medina / Felisa Blanco

Deyhdra Medina, eres actriz, estudias la carrera de teatro y estas colaborando en el nuevo montaje de Mauricio Jiménez, ¿cómo te sientes?
Muy contenta, se llegó al objetivo que teníamos, fue un proceso bastante difícil, bastante largo, desgastante, pero ahorita con todas las ganas y feliz, creo que llegamos dignamente, es un buen trabajo.

Felisa es tu personaje, ella trabaja con el protagonista Juan Alvear y además eres una contraparte con las niñas de la obra, eres un personaje que acusa pero pasa algo contigo, ¿Quién es Felisa y cómo la has construido?
Pues creo que es una persona buena, creo que todo el juego se le sale de las manos y teme al principio la amenaza de muerte, es su vida o hacer el bien, de momento se pone de parte de las niñas por salvar su vida, pero de repente ve todo el caos que esta sucediendo a su alrededor, la gente que está muriendo, lo que está pasando y decide arriesgarse, creo que es una persona valiente, lástima que al final todo se le viene abajo y es salvar su vida o la de los demás

¿Cómo ha sido tu trabajo, cómo te has instalado en esta época, en qué época estamos?
Yo diría que es una época actual, solamente que en un lugar muy alejado, quizá no Xalapa pero un lugar donde todavía se cree en estas cosas. Creo que en la actualidad en algunos lugares se sigue pensando así, es complicado porque tu actriz no crees o de repente resulta alejado, ver el miedo, igual lo transportas a otras cosas, por ejemplo la inseguridad aquí, pareciera algo muy lejano pero lo acercas de alguna manera, y yo lo utilizo, es algo que me funciona.

¿Qué tal la experiencia con un director profesional?
Si es otra cosa completamente distinta, me atrevo a decir que a la fecha es lo mejor que he hecho actoralmente, fue una exigencia mayor, realmente te das cuenta de lo que va a ser tu vida profesional, de repente llorar y decir hoy no puedo porque tengo clases, fue: “olviden todo, no hay clases ensayos de diez a diez”, pues así es el teatro, te das cuenta, decides si te quedas, yo estoy muy feliz de haber logrado el objetivo.

¿Algo más que quieras agregar?
Pues que vean teatro y que vengan a vernos que aun tenemos varias funciones.

Aquí estaremos, muchas gracias.

Entrevista a Ingrid Jiménez / Isabel Alvear

Ingrid has salido de tu carta función, tu eres alumna de la facultad y este montaje lo desarrollas con un director profesional, ¿Cómo te sientes?
Pues muy bien, feliz, agradecida, y contenta

Tu personaje es la esposa de Juan Alvear
Así es

Y es como un tábano que no deja a Juan en paz
No, así no, más bien ella lo trae cargando porque no puede olvidarlo, superarlo.

¿Quién es tu personaje, cómo lo has construido?
Isabel es una mujer ejemplar, una madre que cumple el rol de ama de casa y está al pendiente del hogar. Ella si se entera de la infidelidad de Juan, de hecho cuando construí a este personaje consideré que hasta pudo haberlos visto, cuando dice que perdió el control y entonces corrió a Abigail en lo que ella piensa es en eso.

¿Qué tal la experiencia con un director profesional?
Muy buena, me ha dado muchas herramientas para trabajar, herramientas que a lo mejor ya había trabajado pero que nunca había profundizado a este nivel.

¿Cómo te va en la carrera?
Pues este es mi segundo taller en la facultad y voy por el tercero, en un semestre o un año ya termino.

Felicidades, ¿Algo más que quisieras ahondar?
Pues no, gracias.

A ti, buenas noches.

Entrevista a Rosalía Morales Velasco / Beatríz

Rosalía Morales, una función más de esta obra y un semestre más de tu carrera. ¿Cómo te sientes?
Pues me siento contenta, es el último taller en el que estoy participando y es en realidad con el que me estoy despidiendo de la facultad.

Felicidades ¿Quién es tu personaje?
Es Beatriz Parres, es la sobrina del cura del pueblo, Héctor Parres, y sufre un trance a lo largo de la obra, a partir de ahí empieza a desarrollarse el personaje.

Susto que es interpretado convenientemente por otros personajes como una posesión ¿No es así?
En un principio es el susto de ver lo que se hace en el ritual, no le contaron que se sacrificaría un animal y luego no le queda más que fingir, porque si la descubren la azotan y la ahorcan.

La señora Rebeca cura una rebeldía pero Beatríz y las otras le encuentran el sabor alrededor de una paranoia en un pueblo muy supersticioso.
Claro, es la única pauta que tengo para salir del trance, sin eso no sabría hasta que momento despertar sin que me descubran

¿Qué crees que Miller intentaba transmitir?
Creo que es un mensaje muy claro acerca de la religión, empleando la caza de brujas que sucedió en este lugar, Massachusetts, fue un hecho trascendental que los marcó, se sacrificó a mucha gente injustamente.

¿Algo que quisieras ahondar?
Pues no, invitarlos a ver la obra estamos muy contentos de que un director como Mauricio Jiménez se haya tomado la molestia de venirnos a dirigir, invitarlos a que asistan al teatro.

Muchas felicidades, gracias.
Claro que sí.

Entrevista a Tania H. Palomares / Ana Ríos

Tania este es un trabajo con el que concluyes un taller en la facultad de teatro ¿Cómo te sientes?
Pues no lo veo tanto como una materia por cumplir, es un proyecto que si tiene que ver con la escuela, pero creo que fue más allá porque los créditos pudieron no dármelos, pero este proceso me llena y complementa, me siento muy contenta, cansada por supuesto, pero satisfecha con lo que hemos logrado hasta ahorita, esta cuarta función, pero aún falta trabajo por hacer.

¿Le falta trabajo al montaje o te falta trabajo a ti como actriz?
A mi como actriz me falta muchísimo trabajo, he batallado muchísimo con este proyecto porque mi perfil no es actuación, es dramaturgia y dirección, entonces para mí ha sido difícil para todos pero para mí más porque la escena no es lo que he trabajado en estos años en la facultad.

No se nota. Pero vamos a hablar de tu personaje. ¿Quién es Ana Ríos? ¿Cómo la has construido? Además eres un personaje que detona mucho de lo que pasa porque es por tu capricho que el ritual sucede, que los juicios empiezan y que tu personaje y su esposo empiezan a colgarse de la situación para sacarle provecho ¿No es así?
No, no es así, mi personaje es Ana Ríos y es una mujer muy dolida, no creo que sea un capricho, creo que va hasta las últimas consecuencias para poder averiguar qué es lo que está pasando en el pueblo, hacia ella y hacia su familia, porque a ella no se le ha dado el don de postergar la vida de su prole, ella esta segura que tiene que ver con brujería y va a las últimas consecuencias para saber quien es esta persona que hace este acto del diablo, porque no podría ser un acto de Dios, ha sido un trabajo muy padre y muy difícil, y es una mujer maravillosa, estoy enamorada de esa mujer.

Eso está bien, pero ella guarda una cierta envidia ¿no? a Rebeca no se le ha muerto un hijo de tantos y a ella se le han muerto tres ¿No guarda un rencor? ¿Una envidia?
No podría decir que es rencor, es una envidia que ella no ha asumido como tal porque asumir que ese rencor está en ella es asumir que el problema está en ella, sería aceptar que el problema es su problema.

Yo no podría dejar de hacerle esta pregunta a una dramaturga en la escena ¿Qué tal Arthur Miller?
Maravilloso, fue un viaje increíble, tiene una estructura bien definida, en la obra de Arthur Miller está descrito de pe a pa como son los personajes, su carácter, su contexto histórico. Lo que plantea Mauricio a partir de la adaptación de Emilio Carballido y Luisa Josefina es que se vaya directo al conflicto sin tanto énfasis en los conflictos históricos. Leímos la adaptación, “El crisol” que es el guión de cine, “Las brujas de Salem”, y vaciamos mucho de lo que nos ayudo a construir nuestros roles.

¿Así que los pusieron a leer, los pusieron a escribir, los pusieron a sudar y los pusieron a construir?
Muchísimo, tuvimos un trabajo de mesa exhaustivo, muy apuntado, fueron dos o tres meses, también buscábamos mucho sobre la escena.

¿Hasta cuanto llegó a alargarse una sesión?
Cuatro horas cada una más o menos.

El resultado se ve y se agradece, ¿algo que quieras agregar?
Pues que vengan a verla. Es un trabajo con mucho amor, con muchas lágrimas y con muchas ganas.

Felicidades
Gracias.

Entrevista a Karla Camarillo / Abigail

Karla, el fin de semana pasado fue tu estreno, ¿Cómo te sientes?
Contenta, ya que pasaron el estreno y las primeras tres funciones, es raro ya no tener nada que hacer, o más bien ya no estar con ese nivel de estrés de las dos semanas anteriores.

Debe haber sido un estrés considerable tomando en cuenta que te integraste a un papel principal en una obra que se estrenaba en dos semanas
En realidad yo me integré a la puesta en escena un mes antes pero tenía otro personaje, era Mercedes y tenía pocos diálogos y pocas intervenciones. Ya como Abigail sólo fueron dos semanas.

¿Fue entonces una construcción express señora Arquitecta?
Tenía ya una idea de los ensayos en que estuve antes, viendo el trabajo de los compañeros, ya conocía a Mauricio y su forma de trabajar, y cuando me llamaron para que hiciera a Mercedes leí mucho la obra, trabajé mucho en investigarla, al autor, y cuando llegué a trabajar como Mercedes ya tenía una idea de la anécdota. El de Abigail fue un trabajo muy rápido y a Mauricio yo le agradezco mucho la confianza, estuvo todo el tiempo ahí conmigo, orientándome mucho en mi trabajo de creación.

Y este trabajo de creación ¿Cómo fue? ¿Cómo construiste a Abigail?
Una de las cosas que más me impactan de la obra es como la gente se puede aprovechar de una situación y llegar a un nivel de violencia increíble que nadie detiene, donde todo el mundo empieza a ver sus propios intereses, creo que esto pasa ahora mismo, muy cerca.

En tu carrera como actriz ¿Ya habías trabajado algún clásico de la altura de Miller?
Pues había trabajado una adaptación de "La Señorita Julia" de Strindberg, algunos clásicos griegos como Antígona, esto fue en un grupo de teatro independiente en Poza Rica donde estuve desde los 16 años hasta que me vine a estudiar aquí. Ahí con ellos hice a Ismene en Antígona.

Hablando con una arquitecta respecto a la escenografía, me pareció que era más bien una utilería práctica.
Pues no sé si llamarlo así, porque la utilería pues tiene que ser práctica ¿no?

Claro... ehm... gracias.
Más bien creo que una de las cosas que veo en la forma de trabajar de Mauricio es que no llena de cosas el escenario, más bien pone cosas que son signos, todo es signo, la mesa, los bancos, todo está haciendo algo para la escena, y está diseñado y construido de manera que signifique, no solamente como elemento que se utiliza en la obra, sino que dice algo en la historia.

¿El de Mauricio es un trabajo que se centra mucho en lo actoral?
Bueno, fue un buen trabajo en la dirección de actores, pero creo que también hizo un buen trabajo en cuanto a la dirección, en cuanto a ser el elemento integrador de todos los elementos, una propuesta plástica integral, creo que hay muchas imágenes en la obra que se dan independientemente del trabajo actoral.

¿Y en qué más estás ahora?
Estoy trabajando en mi beca de jóvenes creadores del IVEC, la tengo que presentar pronto, se llama “Los cautiverios de las mujeres madres, botas, putas, verdes, locas”; y trata sobre los roles de género, es un unipersonal. Con la escuela: terminando y hoy por hoy trabajando en cuanto a las funciones que vienen, yo creo que la obra llegó a un punto para el estreno que no era el esperado, se esperaba más, pero por las circunstancias a partir de lo que logramos en el estreno hay mucho trabajo por hacer para las siguientes funciones.

¿Qué te parece Miller?
Me encanta, creo que es un gran autor, a mí me encantan las obras que desentrañan la naturaleza humana, que más allá de una simple anécdota hay una cuestión de pasiones humanas ahí, y con pasiones no me refiero a meras cosas amorosas, sino de lo que el humano está hecho y que puede ser muy contradictorio y que en situaciones de riesgo o extremas como las de la obra conoces la verdad de la gente.

Abigail prácticamente es un personaje sin ningún límite ¿Verdad? ¿Cómo describirías a Abigail?
Es una mujer, ya no una niña, que decide buscar lo que quiere a toda costa, al principio tal vez no piensa que las consecuencias vayan a ser tan grandes pero cuando ve las consecuencias no le importa, va a más y la obra se termina ahí, de hecho la Abigail histórica en que se basó Miller cuentan que se volvió una prostituta cuando huyó. Seguramente si la obra tuviera una segunda parte las acciones de Abigail seguirían un curso similar. Con un poco más de tiempo me hubiera gustado leer más obras de Miller y más cosas como lo he hecho para otros procesos pero no hubo tiempo, regresando un poco a cómo construí el personaje de Abigail: lo construí pensando en la situación, sólo en eso, poniéndome en la situación y hacia donde iba y cuál era su objetivo y a partir de tener el apoyo de Mauricio y de mis compañeros. Ha sido un buen proceso para todos. El proceso fue no de alumnos sino hacia un proceso profesional, de hecho en este taller yo no tengo calificación ni nada.

¿Crees entonces que Xalapa va hacia un nivel de profesionalización en el teatro? ¿Cómo ves a Xalapa?
Yo pensaría que Xalapa tendría que tener ya un nivel de profesionalización en el teatro, tiene una compañía, una universidad, ni siquiera debería pensarse que va a pasar, debería estar pasando, creo que hay gente muy profesional aquí, creo que Xalapa tiene un público y eso pasa donde hay un teatro profesional. Yo cambiaría un poco la pregunta hacia si Xalapa va a retomar esa tradición como estaba tan sustentada antes, yo creo que sí, y va darse. En la facultad al menos este montaje representa un cambio, al menos en lo que yo he visto, no menosprecio a nadie, pero creo que este es un buen paso.

¿Algo más que quisieras ahondar?
Pues nada, gracias

Muchas gracias a ti.

Crédito de Fotografías; Luis Marín, Foto Archivo Candileja A.C.

Arthur Miller en Xalapa, esa sí que es otra

Entrevista al director Mauricio Jiménez

He aprendido que es muy contraproducente ir a una entrevista estando “a la defensiva”, (y es que hubiera sido imperdonable no prepararse especialmente bien para una entrevista de este calibre), afortunadamente el maestro, actor y director Mauricio Jiménez complementa mis pobres aportaciones con su experiencia y reciente trabajo dirigiendo el montaje “Encrucijada” adaptación de “Las brujas de Salem” de Arthur Miller que se presenta en Xalapa los jueves y viernes 8:00 pm, así como sábados y domingos a las 7:00 pm en el auditorio Torre Lapham de la facultad de teatro de la Universidad Veracruzana.

Misión cumplida ¿no maestro?
M. J.- Pues mira: empezamos con un grupo de veinte y seis personas, esto es parte de la academia, del plan de estudios de la facultad de teatro. Este proyecto se hizo con la vinculación con la escuela nacional de arte teatral donde imparto la misma materia. Yo a lo que me dedico profesionalmente es a dirigir teatro y en las escuela tenían un proyecto a fin de cursos para confrontar las herramientas que se les han dado a los alumnos a lo largo de cuatro años con el discurso de un creador profesional, es decir: comprobar lo que han aprendido en cuatro o tres años en un ejercicio práctico de puesta de escena. Tanto el discurso de quien lleva la voz cantante como lo que tu has aprendido en esos años se confronta lo cual es parte del mismo plan de estudios de la academia.

¿Por qué Arthur Miller?
M. J.- Llegar a Arthur Miller no fue rápido, tardamos más de tres meses. Lo primero de lo que uno tiene obligación es saber con quien estás trabajando, cosa muy distinta a nivel profesional, a ese nivel tú eliges, independientemente de si se hace una audición o no, profesionalmente yo nunca he hecho una audición, siempre voy al teatro, al cine y veo con quien me gustaría trabajar. Es algo que hago con mucha precisión porque el discurso que busco obliga o provoca desde mi y desde el otro hacia qué es lo que queremos decir, que es precisamente donde esta parada la elección de la obra de Arthur Miller. Primero elegir lo que se quiere decir, elegir el tema es lo más difícil de hacer, precisar el tema. La otra, somos tan soberbios en el teatro que decimos: "Podemos decir lo que queramos, Tú ponme la obra, tú ponme el personaje y yo lo hago" ¡Pues no!, hay que aprender a decidir, hay que aprender a elegir el tema, cuales son tus temas y eso es lo más difícil que hay.

Y esto aplica tanto para actores, como para directores, escenográfos o dramaturgos. ¿no?
M. J.- Por supuesto, tener una concepción temática es lo más difícil que hay, saber que esos son tus temas, saber que es donde te sientes capaz de penetrar, horadar, definir, y eso fue precisamente lo que nos dio Miller, la gran dramaturgia se define por la capacidad de perfiles que logras percibir en cada uno de los personajes. La diferencia entre la narrativa y la dramaturgia está en las acciones. Por ejemplo: en la narrativa tú ves las acciones de los personajes a través de su pensamiento y en la dramaturgia es al revés, ves el pensamiento de los personajes a través de las acciones. y eso es precisamente una de las grandezas que tiene Miller, ¡enorme!, estamos ante un galeón, una catedral de unos basamentos absolutos, tiene unos estratos shakesperianos y clásicos innegables, es decir una de las mejores partituras para que un futuro actor pueda confrontar los conocimientos que tiene. Es como poner Bethoven, Mahler o Wagner con un párvulo, seguramente no dará todas las notas y habrá que adaptar para que logre entender en donde esta inmerso, y si logra esa mínima base ya poder aspirar posteriormente a algo tan grande como la de este autor. o a cualquiera, después de haberte enfrentado a un clásico tienes las agallas para enfrentarte a lo que sea.

Uno de los compañeros: Gustavo, me platicaba que de alguna manera el juez, junto a la abadesa y el padre son como nodos simbólicos de poder. Hay un rico simbolismo en la obra ¿no?
M.J.- Creo que en la dramaturgia de Miller tenemos que definir el carácter de estos seres y su estrato, su estatus en el manejo de todas las relaciones que se dan a lo largo de la obra, pero lo principal era definir de manera muy práctica como están constituios estos seres para que el actor sepa definir con esquemas stanislavskyanos, de donde viene, quién es y a dónde va, definir una situación, entender su circunstancia y por supuesto identificar un conflicto que es también de las cosas más difíciles que hay. Y autores de esta envergadura te permiten un mapa de una calidad absoluta, porque: ¡¿cuántas veces no nos han dado atole con el dedo diciéndonos que estamos ante una nueva dramaturgia?!, ¡y que nunca entiendes bien de que carajos están hablando!; eso independientemente de que exista un gran teatro del absurdo, estamos hablando de autores que no son patrañosos, de autores que tienen una estatura clásica y se desprenden de esta para definir una nueva manera de vera las cosas. en el caso de Miller estamos ante un clásico y no hay peligro cuando uno comete errores, esa es otra, cuando uno la riega los clásicos salen a flote, yo tratando de hundir a Miller él sale pero dice a la vez “a ver muchachos: se están ahogando, vengan por aquí”, y esa es otra de las virtudes de tomar un clásico para expresarse en forma académica o de manera artística porque también la pretensión es buscar que los futuros actores ya estén montados en un ring profesional. Lograrlo o no ese es otro cantar.

El contexto de la obra se plantea en los años 50s es decir la época de un Macartismo feroz dónde el decir: “tú eres comunista” me salvaba a mí de ser comunista, este planteamiento ¿Qué tan vivo está en nuestro tiempo y en nuestro país?
M. J.- Yo lo que creo es que todo el mundo ha tratado de endilgarle a esa obra un emparentamiento con un problema concreto en Estados Unidos. Yo lo que creo es que es achicar la obra, ponerla en un coto que no merece, tratando de emparentar a fuerza, nunca he entendido a bien el porqué.

Supongo que se deberá a que a Miller mismo, después de las brujas de Salem, empezó a padecer una persecución
M. J.- Como otros autores, como Dalton Trumbo, la Hellman, o cuantos vivieron semejante cosa. Bueno, yo no lo encuentro, yo veo que la obra trasciende cualquier identificación concreta, veo al poder, a los que deciden que deberían reflexionar sobre el punto, veo a los muy valientes entregándose y sacrificándose para salvar a alguien, a mi me chocaría a menos que fuera una obra escrita por Miller sobre ese problema concreto porque definiría también otras maneras de pensamiento. Lillian Hellman tiene “Tiempo de canallas” como un documento brutal al que ojalá alguna vez tenga oportunidad de meterle mano.

El conflicto de las brujas de Salem tanto puede haber sucedido en Westchester, como en la Nueva España, ¿Dónde lo plantea usted históricamente?
M. J.- Pues yo lo planteo en Veracruz, tenemos la ventaja de tener una traducción hecha por Emilio Carballido y Luisa Josefina Hernández, esta es la traducción que emplearon hace treinta años cuando montaron aquí la obra, que parece ser que les fue muy bien, lo que yo tome fue la traducción porque tiene una estructura de lenguaje inmejorable, porque está muy emparentada con el lenguaje Rulfiano y que te sitúa en un problema nacional, en donde quiera que estés parado, en Yucatán, en Monterrey, tú te identificas claramente, los personajes se llaman Juan, Isabel, nunca hablamos del lugar específico del que hablaba Miller ni tampoco nos enfocamos en señalar que era un lugar veracruzano, pero es obvio por la manera como se expresan, y la manera como reaccionan a los problemas que son mexicanos.

¿Y el maestro Carballido y Luisa Josefina tradujeron todas las indicaciones históricas que tiene el texto original?
M. J.- Trataron de ser muy fieles a todo lo que Miller generaba, creo incluso que hay escenas que normalmente en las ediciones no existen, y Luisa Josefina y el maestro tienen una pluma inmejorable, indudablemente que ellos también están metidos en la obra, creo que le arrebatan a Miller muchas de las escenas para hacerlas propias. Esto puede suceder en Zongolica o aquí a lado en Tres Zapotes, casi pedían incluso que entraran jaraneros, ¡y puede ser! ¡Puede ser en Toluca, hombre!

La escenografía no es propiamente una escenografía sino una utilería práctica que resuelve ¿no es así?
M.J.- Una de las preocupaciones más grandes que tengo a nivel profesional es que el centro está en la actuación, cada vez que a uno le ponen una aparente arquitectura lo único que haces desde tu asiento es retorcerte. A mi me gusta ver grandes escenografías, he visto grandes obras de arte en escenografía que me distraen del punto que es el actor. Yo con un banquito puedo resolver muchas cosas porque el punto está en la actoralidad. recuerdo hace algunos años una obra que se llamó Veracruz, precisamente, de un francés: George Le Bovine, no sé si viste esta película: Delicatessen, pues uno de los actores en la obra de Veracruz se ponía en el proscenio con las manos en las bolsas, es decir: negando todo esquema de que si te pones las manos en las bolsas estás aburrido e indiferente a lo que está sucediendo, y narra la muerte de su hermano durante cuarenta minutos y uno está en la butaca berreando, llorando, mientras el actor está haciendo nada, con las manos en las bolsas nada más narrando la muerte de su hermano.

Maestro, volviendo a lo de la escenografía, realmente México se pinta sólo en cuanto a que ha dejado de ser un mero decorado desde principios del siglo XX hasta realmente ser un ente vivo que acompañe y dé volumetrías y niveles al actor. ¿No es así?
M.J.- Ojalá todas las escenografías sean eso, hay que diferenciar, igual que los autores, hay muy buenos autores, hay muy buenos escenógrafos y hay unos pésimos, que se dedican a decorados superficiales, que joden la obra porque no tienen concepción temática, que no desarrollan de ninguna manera el discurso dramático que pretendemos.

Es a veces muy escandaloso que a veces se ven peleados discursos distintos, el escenográfico, el actoral, el de vestuario, el musical / escenofónico, y en ese sentido, ¿Cómo fue la relación con sus mancuernas? ¿Quiénes son sus mancuernas?
M. J.- Bueno, en este caso todo el trabajo con catenación con los apuntes sonoros estuvieron muy cerca de uno de los actores, Yahir, que es músico, él genero los coros, yo proponía algunas cosas, por ejemplo: la entrada de los monjes siempre ha estado bien, pero ayer estuvo muy atinado, muy dispuesto, sorprendente.

Parecían chacos
M.J.- Exacto, a lo mejor, a lo mejor tiene que ver con mis aficiones a los chacos cuando era joven. No lo había pensado. Manuel Domínguez que es un excelente actor estuvo también muy pendiente de todo lo que pasaba con la sonoridad o Karla Paola Torres Jayme que también tiene muchas aficiones con el asunto musical y también estuvo al pendiente, pero bueno, en este caso, además, ayudan los actores, a mi eso me fascina, porque las obras en donde está grabada la música chillo y berreo en mi asiento, porque, como dice Woody Allen tomando a Bresson: “La música tiene que salir del escenario”, Bresson señala eso en el cinematógrafo y Woody Allen en una pelìcula, creo que era “La última noche de Boris Grushenko” dónde hay una escena de amor con Diane Keaton en una escena de amor, se están besando y se oye un cello, nadie sabe de dónde está saliendo la música, abren el ropero y hay un tipo tocando el cello; entonces: si el se permite semejante cosa nosotros realísticamente podemos hacer toda la sonoridad posible con las manos, con las voces, y es a partir de esos criterios y del teatro pobre de Grotowsky podemos acercarnos de esa manera a las obras.

Debo confesarle que como espectador reparé poco en la iluminación y en la sonorización, de lo cual podemos concluir que el ambiente estuvo bien hecho, ¿No?
M.J.- Así es, Eduardo Mier que es un maestro entiende que no hay que intervenir en cuanto a que no hay que apabullar la obra sino que tiene que ayudar al discurso, y estamos frente a alguien de una mesura y circunspección que permite que el discurso de Miller se vea y se oiga.

Hay incluso momentos de luz natural, creo que casi siempre al cierre de cada cuadro. A propósito hay un cuadro que usted omite del texto original ¿No es así?
M. J.- Son dos escenas distintas, una donde Juan amenaza a Abigail antes del juicio y el otro es un añadido del mismo Miller para cerrar dramáticamente la relación y no despedir a Abigail, porque en las obras de teatro Abigail desaparece y aquí es una bendición, la volvimos a ver a nuestra heroína villana, la vemos regresar.

Karla se la rifó
M. J.- ¡Sí!, ¡¿Cómo no?! esa muchacha hace dos semanas que tiene el papel, ¡impresionante!, con todo estamos frente a una actriz de talla.

Laura me parece que también entró hace poco ¿No?
M. J.- Decía Eduardo Mier cuando recién entró Laura Castro que cuando entra “Teodora” todo se concentra en “Teodora”, que parece la obra de Laura, estás frente a una actriz de talla. El poder en la actuación radica en poder entender tu relación con el espacio, con la identificación del conflicto, con tus compañeros, definir quienes son tus enemigos, quienes tus amigos, como te relacionas, qué mirada le mandas a uno, a otro, y Laura tiene esto casi natural, cuando se sube al escenario se identifica y es prodigioso.

Es posible que Laura haya salido muy beneficiada de su experiencia como modelo de figura humana, ella tiene años dedicándose profesionalmente a esto y realmente tiene una concepción de su cuerpo en el espacio que pocas personas tienen, la cuál arquitectos y bailarines tantean en sus postulados teóricos.
M. J.- La grandeza por ejemplo de Miller también radica en dejar una especie de huella o impronta llena de ironía o humor que es ese personaje que nosotros llamamos Teodora, otra vez los clásicos, estamos frente al bufón de “El rey Lear”, estamos frente al portero de “Macbeth”. Una paria venida a más y que ahora esta juzgando a la gente que tiene probidad o un nivel económico superior al de ella. Otra que quiero señalar es que no estamos frente a lo que todo mundo cree, todo mundo cree estar viendo un melodrama, Miller ni siquiera se propuso hacer una tragedia lo hace de una manera práctica, por ejemplo, habla Juan Alvear se habla claramente de sus relacionas con una menor de edad, de que golpea siempre a la famosa Feliza, ella advierte en la obra: “Ya no voy a recibir más golpes”, es decir: nuestro héroe en la obra tiene una cantidad de defectos horrible, yo se que tal vez escandalice a más de uno, pero lo de Zuccar Kuri se puede asociar, es decir: una niña de 14 años de la cual se enamoro, que dejó a la familia para irse con ella, por supuesto una muchacha que no ha tenido educación, ni protección.... Por eso la ficción es otra cosa, en la ficción tu puedes matar a tu padre, tener relaciones con tu madre y si lo haces bien hasta te aplauden. No lo hagas en la vida real porque te vas a meter en problemas, claro.

Había oído alguna vez que el proceso mental de un asesino y del actor que representa a un asesino sólo se diferencia en que el actor no debe tener éxito.
M. J.- Efectivamente, sólo se diferencia en cuanto a su relación con la realidad, esa es la única, tú estás haciendo esto, no vas a matar a nadie, ni a tener coito con nadie pero parece que sí, ahora, pero tienes que ser sincero, verdadero, eso es lo único que diferencia la realidad de la ficción, habrá que mencionarlo en la escuela.

¿Qué opina usted de lo que se denomina literaturgia, así como de la dramaturgia contemporánea?
M.J.- Pues hay unas grandes dramaturgias contemporáneas, estoy hablando de Thomas Bernhard, Peter Handke, George Tabori, el francés de “Lucha de negros”, autores que han estado trabajando en el andamiaje desnudo de la dramaturgia y que descubren que hay otra manera, no sólo la aristotélica de contar la historia, a partir no de lo que es un andamio o estructura original aristotélica que sería el desarrollo de los acontecimientos, sino a partir de los personajes, del lenguaje. Hay una diferencia y el diapasón es muy amplio, entonces hay que saber distinguir la cizaña del trigo. Hay que entrenarse, leerlos y releerlos.

¿Cómo ve al público en provincia?
M. J.- Pues muy expectantes, ayer tuvimos el teatro abarrotado y se quedó la gente afuera, ya eso habla de que están ávidos o de ver como la riega uno o de una buena obra ¿no? Creo que se van a divertir, la ora es que la adaptación que hicimos permite que el gran público pueda disfrutar la obra, la obra aspira a algo mayor, a una reflexión y a un límite de los discursos, lo que identificamos hace rato como el poder tiene en sí un discurso muy poderoso justificado, profundo.

También el amor
M. J.- La otra parte, la parte más desprotegida son distinciones de lo mismo, yo no le llamaría digresión sino ahondamiento o profundidad en cada una de las vertientes de pensamiento que se están señalando en la obra, y lo que hice fue podar para dejar la anécdota lo más limpia y evitar cualquier reflexión que obligara al actor y fallara en el propósito. Es como en la música, hay pasajes que requieren de una habilidad que todavía no se tiene, y peor, hay temas y experiencia que no tienes, y son licencias que nos tomamos, por ejemplo: una mujer no puede ser una exorcista, aquí hablamos de que la alta clerecía le ha dado ese poder, bueno, eso no lo sabe el juez, el público viene a ver, y eso es otra cosa, no es el público de Xalapa, es el público en general, aquí, en Nueva York, en Francia o en Hamburgo, lo que les encanta es la realidad, confunden y les encanta decir: “esto es como la realidad”, a mi no me gusta la realidad, por eso hago ficción, la ordeno, me parece más imaginativa, pero para lograrlo requiere muchos medios, y mucho trabajo, de mucho tiempo, descubrir que un actor o una actriz es capaz de hacer tal o cual cosa en el escenario, ver donde estás metido y como puedes meter esas imágenes ahí. Y yo creo que es un publico ávido que se divertiría mucho si va a verla.

¿Cómo ve a la crítica en México?
M. J.- Bueno, siempre estamos de capa caída ahí, pero indudablemente tenemos muy buenas plumas con una capacidad de observación y análisis, y hay gente muy profesional que desde hace varios años ejerce profesionalmente su trabajo.

En el teatro, como en muchos aspectos en todo el país, padecemos aún rezagos de centralización ¿Ve usted un buen movimiento teatral fuera de los nodos acostumbrados en el mapa mexicano?
M. J.- Hace mucho se estructuró y a lo largo de los años se han hecho trabajos para descentralizar, creo que uno de los momentos más grandes fue el proyecto que generó el Instituto Nacional de Bellas Artes con teatro escolar generando que cada uno de los estados tuviera a uno o dos grupos preparados para levar obras clásicas de renombre a la escena y que los estudiantes fueran a verla, eso permitió que buena parte de toda la república sostuviera profesionalmente a muchos actores que antes no tenían ingresos a partir del teatro, ese fue un gran programa, yo creo que se le debería alimentar, impulsar y llevar a más. Ahora, esa es una manera de hacer teatro para profesionalizarlo, pero lo que se tiene que profesionalizar es que el discurso particular de cada uno de estos grupos fuera del centro del país tenga la infraestructura para desarrollar ese discurso y eso muy pocos lo han logrado. Yo confieso mis debilidades, tanto puedo ir a ver a Peter Brook a París como ir a ver a Marco Petri en Tehuantepec, donde él compró una casa y hace su teatro ahí, cada vez que hace un estreno yo voy, es una lección cada puesta en escena de él, le encanta el asunto de los temas que descubre en esa región del istmo. El otro es el esfuerzo de Jesús Coronado en San Luis Potosí, “el Rinoceronte Enamorado” con quienes he tenido el privilegio de trabajar varias veces no sólo como director sino también como actor.

El de los hermanos Coronado es uno de los pocos espacios de la república específicamente construido para uso teatral, ¿No es así?
M. J.- Haga de cuenta el Torre Lapham, nada más que con 15 metros de altura y con 10 metros más de ancho. Yo creo que este teatro se puede modificar sobre todo por un gran problema que tiene que es el auditivo, ayer con tanta gente que entró se amortiguó un poco el problema, creo que hay que ponernos menos soberbios, menos ambiciosos y hay que llegar a las tablas, un actor debe tener una gran dicción y una expresión corporal mítica para poder emitir signos que hablen, saber que la actoralidad comienza por el buen decir y la capacidad de expresión corporal, creo que antes de hacer algo tan ambiciosos habrá que hacer la base, primero, no sólo aquí pero en toda la república. Habilitar espacios fuera de provincia, a mi me gusta mucho trabajar fuera del Distrito Federal, de hecho ahora está el proyecto para que vaya a Ciudad Juárez para apoyar al grupo de Perla de la Rosa.

¿Cómo ve a Ciudad Juárez?
M. J.- Pues difícil ¿no? estamos frente al paradigma de lo que podría llegar a ser el México de ahora.

¿Qué más está haciendo ahora maestro?
M. J.- Como privilegio estoy en el sistema nacional de creadores de arte del FONCA y estoy haciendo una obra con actores de aquí sobre Martín Ramírez, pintor que fue descubierto en los años cincuenta, un hombre que estuvo encerrado durante treinta años en un hospital psiquiátrico y que descubrieron sus capacidades para poder expresarse a través de la pintura, le regalaban crayones, plastilina, y el mismo generaba sus pliegos de papel, lienzos y lograba expresarse con nada, y ya luego le regalaron materiales. La última exposición que se hizo fue en Nueva York hace tres años, que es la primera retrospectiva que se hace de él tan grande, un pintor afásico, no habló en treinta años, de lo que se trata al intentar penetrar en este personaje es hablar de la creación, su obra no esta a la venta, bendito el cielo, es un artista todavía con todas las letras.

Supongo que tampoco tiene una galería con su nombre en Nueva York
M. J.- Tampoco, pero lo ve mucha gente, les fascina, yo fui porque es una aspiración de mi vida, espero estrenar en noviembre aquí y luego nos iremos al DF. Acabo de terminar temporada con la compañía nacional de teatro, una obra de Bárbara Colio que se llama: “El día más violento” sobre la vida de los hermanos Serdán en el momento climático de su vida, esto lo monté en el DF y el fin de temporada fue hace quince días en el teatro Julian Castillo en el centro cultural del bosque.

Otra de Colio
M. J.- Y hay una obra mía, adaptación de “Noticias del Imperio” de Fernando del Paso que la monté hace cuatro años y ha tenido replicas una y otra vez, nuevamente vamos a presentarla en noviembre en la vieja estación del tren en Querétaro, y además una adaptación de Jeffrey Hatcher sobre “La otra vuelta de tuerca” de Henry James que esa la hice con dos actores y vamos a retomarla para octubre y vamos a estar en el teatro de San Luis Potosí, en el Rinoceronte Enamorado.

¿Algo más maestro?
M. J.- La importancia de trabajar a fondo en la academia para poder provocar y generar una actoralidad que nos conmueva, que nos atraiga y que genere un discurso complejo y una diversión compleja y que no se empantane todo con la mediocridad comercial televisiva.

¿Volarán las Brujas fuera de Xalapa?
M. J.- Ojalá, creo que hay un acuerdo con la Escuela Nacional de Arte Dramático para que se presente o bien en el López Mancera o en el Salvador Novo.

Pues felicidades y gracias.
Muchas Gracias.

She Male, primer trabajo de Proyecto Bipolar Teatro

Entrevista a Alexia Domínguez

A pesar de una función con muchas fallas técnicas y un texto al que le falta consistencia y puede (y debe) mejorar (a veces eran clichés a veces consignas políticas), She Male fue una puesta en escena que demostró que a pesar de prejuicios, limitantes y del tiempo quien realmente quiere hacerlo puede al fin hacer teatro. Tal es el caso de Alexia Domínguez, licenciada en Teatro por la Universidad Veracruzana que nos comparte su experiencia en este nuevo montaje de su autoría.

Alexia, tienes mucha experiencia como actriz, de hecho Rubén Barrientos y tu ya habían trabajado juntos en Cruel Tears, pero dime ¿Esta es tu primera incursión como escritora y productora?
"Esta obra la escribí en 2005, y es más bien el primer proceso en el que estoy tan adentrada tanto intelectual, como emocional y físicamente pues el tener una compañía independiente siempre demanda el cien por ciento de tu energía y tiempo."

¿De qué habla esta obra?
"Quise tocar el tema de la homosexualidad, pero no con el significado que se le da a esta palabra que suele hacer todo el mundo, para mi es muy interesante como se expresa la libertad del ser humano sexualmente hablando sin necesidad de entrar en depravaciones, si algo tiene mi obra es que dignifica no satiriza o se burla de ninguna persona pues lo que busco es dignificar este tercer género como ahora se le conoce a través de un acercamiento, quería que el público tuviera la oportunidad tanto de verles en escena en espectáculos tipo Drag Queen pero también cuando están en el camerino revelando sus miedos más grandes y sus secretos más íntimos, para mí es importante mostrar que a pesar de la etiqueta que la sociedad te imponga todos somos lo mismo, estamos hechos de lo mismo, los sentimientos y conflictos cotidianos tienen la misma esencia. Para mí es importante que la gente escuche estas voces que están tan calladas y que puedan conocer el lado bueno y humano para quitarnos la idea de que este tipo de personas tienen un gusto por la depravación y no son más que un montón de pervertidos. Son más bien personas que no decidieron ser así, antes bien viven con esa inclinación tan natural como mi cabello es castaño. Dios ama a todos sus hijos por igual."

Luis Santillán acaba de presentar una obra llamada Volupta, donde plantea algo similar alrededor de las personas que se dedican al table dance reflejando la problemática de un gremio laboral, sin embargo también aborda lo sentimental y físico que implica vivir en este contexto, ¿Ha sido difícil para ti como escritora?
"Claro porque yo más bien me dedico a hacer prosa libre y canciones, de hecho yo escribí todas las canciones de la obra, yo quisiera que la gente tuviera un acercamiento no sólo con el mundo de la farándula, sino con la cotidianidad por que es a partir de las emociones que se desprenden que tu puedes establecer un vínculo con la otra persona, quiero mover a la gente desde ahí, que no por decir por ejemplo cielo se piense azul. Creo que en el mundo que estamos viviendo es muy importante darnos el tiempo para reflexionar, por ejemplo este tema se puede tomar como un tema muy trillado que ya todo mundo conoce, creo que muy pocas personas se han tomado el tiempo para investigar cuantos tipos de homosexualidad hay, lo que es un trans género, lo que es un travesti, si es necesario ser homosexual para estar clasificado ahí o un heterosexual puede estarlo también, antes de escribir esto leí muchísimo."

¿Qué leíste?
"Por ejemplo hay un libro de Michael Bailey en la facultad de humanidades mientras cursaba una materia opcional al tiempo que estudiaba la carrera de teatro. Leí cinco libros sobre homosexualidad y me llamo la atención una escala que indica que todas las personas somos de natural bisexuales y nos movemos en una escala de cinco niveles. No me cierro, sé que hay personas que no nacen así y se hacen pero hasta en esos momentos te debes preguntar el por qué, en lugar de alejarnos de nuestros hermanos yo creo que debemos tratar de entenderlos si lo que queremos es un mundo de amor."

¿Cómo escribes una canción?
"De la manera más tonta, tarareo algo en la cabeza y saco frases que tengan la misma composición en sílabas para que al colocar el sonido se acoplan lo cual es una gran tarea que el maestro Barrientos ha hecho como si se hubiera metido en mi cabeza, aunque no sé tocar un instrumento si tengo una melodía en la cabeza para estar segura que no me la van a a cambiar cuando me la van a musicalizar, me nacen, te mentiría si te dijera que paso horas pensando que escribir, sencillamente me pregunto de qué quiero hablar y lo comienzo a cantar hasta que lo escribo."

Suena a canciones más interesantes que la gran mayoría. ¿Entonces Barrientos y tu hacen muy buena mancuerna?
"Estoy muy contenta por trabajar con él nuevamente por que es una persona muy profesional pero además muy sensible, sólo tienes que hablar con él una vez sobre qué necesitas y el resultado siempre es justo lo que yo quería, no tengo queja, me parece que ha tratado este tema tan controvertido con mucho cariño, con mucha sutileza y con mucha entrega, hay canciones en que la letra significa mucho para mí, no tienes que haber pasado por una determinada situación para entenderla, tú lo sabes, pero el sonido las hace tan vibrantes que para mí es como si las escuchara por primera vez y me llegan."

Estás enamorada de tu trabajo y tu carrera.
"Sí, creo que todo aquel que estudia algo que ama y tiene oportunidad de dedicarse a lo que le apasiona debe sentirse muy bendecido por dios. Yo me siento así."

No había oído de ti en un par de años y de repente estás aquí con una obra nueva, eres una persona que se ha replegado para después cargar con todo ¿Cómo ha sido este proceso?
"Yo soy hija de madre soltera, y cuando salí de la carrera me topé con muchas barreras, lamentablemente el mundo no está preparado para personas que quieren hacer arte sin enseñar el cuerpo con morbo, y es que para mi el arte no debe tener una pizca de eso porque se convierte en otra cosa, así que decidí retirarme del teatro y trabajar muy duro, ahora estoy en la gerencia de ventas donde trabajo y me siento orgullosa de lo que he logrado en ese campo pero el teatro siempre fue mi secretito ¿no? Cuando logré tener las cosas armadas me di rienda suelta en el teatro, me dije: “voy a tomar el dinero que me ha costado mucho trabajo ganar para poder hacer el arte que a mi me gusta y no el que le gusta a los demás.”

Creo que había oído algo así en una ceremonia de titulación hace tiempo, muchas gracias Alexia.
"Muchas gracias aquí los esperamos y que dios los bendiga."

Entrevista a Christian Hermar

Fue una jactancia muy banal de mi parte el que alguna vez me haya enorgullecido de tener cierta elasticidad en mis piernas con mis casi dos metros de altura. Sin embargo, además de la altura, el tono, la calidad y limpieza de movimiento propios de un bailarín de ballet, sumados a una rica gestualidad que se acompaña a uno de los portes más elegantes que yo he visto convierten a Christian Hermar en un verdadero animal escénico. En esta ocasión nos comenta sobre su trabajo en el musical She Male.

Christian, tienes una formación como bailarín y actor, has representado a Veracruz a nivel tanto nacional como en el extranjero ¿Quién es tu personaje y cómo lo has construido?
"Bueno, mi personaje se llama Mayte, es un chico considerado por la comunidad homosexual como un she male porque aunque conserva sus genitales masculinos se ha colocado implantes de senos y tratamiento hormonal, y sus preferencias sexuales son indefinidas, es decir le gustan hombres, le gustan mujeres, ¡en fin! todo lo que se mueva, tiene 28 años, este personaje es complejo porque le vale todo, realmente de toda la obra es el que más se acepta, él no cree en nada, coge con todos, sale con todos, eso sí, con su debida protección como se menciona en la obra, muy importante mencionarlo, sólo espera de la vida ser feliz y vivir este amor pues él cree que esto es amor, ya ha sufrido mucho y no quiere creer en nada. Para mí fue un reto, tiene siete meses que la dramaturga me invito y al principio si dudaba un poco, la verdad me daba un poco de miedo representar a un personaje con estas características, la preparación fue chistosa, tengo muchos amigos homosexuales pero ninguno con las características de mi personaje, entonces implicó documentarme mucho, afortunadamente conocimos a una amiga en Xalapa y de ella nos agarramos, preguntamos experiencias, forma de vida, implicó también prepararnos vocalmente pues cantamos en vivo canciones originales."

Nunca te había visto cantar"No, antes en Cruel Tears representé a un mimo así que en realidad ni hablaba, cuando representamos a México en Barcelona si fue un número musical, si cantamos pero sobre pista, no fue exactamente lo mismo; aquí tuvimos un solo, grupales, nos preparamos mucho."

¿En qué más estás ahora Christian?
"Me dedico a la docencia, fue un reto aceptar el proyecto porque había decidido retirarme de los escenarios. pero acepte el reto y ya de aquí no lo suelto, de aquí para el real."

Ojalá no lo hagas pues nos quitarías la oportunidad de verte más seguido. ¿Algo más?
"Pues sólo que las canciones son inéditas somos cinco intérpretes en escena, no se la pierdan."

Entrevista a Montserrat Rueda

Actriz que ha representad al estado de Veracruz a nivel tanto Nacional como Internacional, cuando la vi despeinada caminando por las escaleras del Ágora lo primero que pensé fue: “bueno, ¿usted no se debería estar maquillando?”, concluí que Montserrat Rueda había pasado por ese desgraciado lapsus de paranoia que mantiene aparte a tantos tanteados por la escena en una expectación enfermiza (SIC). Afortunadamente no fue este el caso sino una propuesta de rompimiento que si bien no era del todo inesperada al final si que cuajó, pues Montse, como lo hace al menos cuando yo la he visto, sale a rifársela con todo. Aquí nos comparte un poco de su experiencia en She Male.

Dime Montse ¿Qué tal la experiencia en un musical tomando en cuenta que ya estuviste en dos?
"Bueno, pero todavía no aprendo todo, en un musical es obvio que te vas a divertir, pero también que vas a trabajar muchísimo, pero al final siempre vale la pena, a mi me encanta."

Tú eres el personaje que lleva la historia, lo que te pasa a ti es lo que pasa en la obra, ¿Cómo has construido a esta mujer atrapada en el cuerpo de un hombre?
"Pues me invitaron hace un mes, y tuve que construir mucho de su psicología, que se viera al espejo y se dijera “este no soy yo”, implicó conocer a personas con este modo de pensar, que rasgos tienen en común, cómo se enfrentan a los demás, suele haber una persona que se vuelve como su madre y les enseña cómo es el mundo, la represión, el querer decir “soy mujer”."

De hecho llegas enclosetado y la Queen que se vuelve tu madre te lo hecha en cara. No es por reducirlo a un Almodóvar Wanna Be, pero el ver a las chicas volviéndose trans género o los travestís volviéndose chicas es un recurso muy usado, ¿De qué manera lo usan ustedes aquí?
"Nunca se tomó como un recurso estético o mercadotécnico, siempre se ha pensado en personas con formas de pensar y problemas con los que tú, público, te puedas identificar, tú como persona has tenido que tomar decisiones en tu vida y eso no tiene porque marcarte o estigmatizarte o que tengas que ser reprimido por las ideas o físico que tengas, no se tomó como recurso sino como parte de."

Es un discurso moral
"Sí lo es, y con un contenido. A pesar de venir de un ámbito social donde la homosexualidad es parte del dia con dia realmente el darle la seriedad y reconocer al otro como igual si te hace entender la diferencia y el porque al fin y al cabo somos todos iguales."

¿Quién es tu personaje?
"El joven es el protagonista, un chavito de 18 muy inocente que siempre ha tenido la sensación de no estar en el cuerpo correcto, escucha del espectáculo de Reina de la Vega lo ve, se enamora y quiere ser como ella, y lo que quiere hacer es vivir como lo que es y eso le cuesta la vida."

Bueno, muchas gracias.
"Gracias"

Entrevista a Paloma Medina

La interdisciplinariedad es un discurso muy abordado pero que a la hora de la hora muy pocos llegan a poner en práctica en un producto concreto, (al menos muy pocos sin consecuencias desarticuladas y estridentes a la mala), Paloma Medina es otra egresada de la facultad de teatro que no teme experimentar y arriesgar y nos comparte su experiencia en el montaje She Male.

Paloma Medina, actriz y directora, ¿Podría contarme un poco de usted?
"Estoy dirigiendo She Male, yo nací en el puerto de Veracruz, soy hija de Sonorense con porteña, desde que tenía noción en los estudios ya dirigía en la secundaria a mis compañeros en obras de teatro y siempre tuve esta pasión. Más tarde cuando ingresé a la Universidad veracruzana a estudiar la licenciatura en teatro me di cuenta que además de la actuación necesitaba conocimientos de dramaturgia y con este proyecto hemos explotando al máximo nuestras cualidades artísticas no sólo en le teatro sino también de danza y canto."

Es entonces un trabajo multidisciplinario
"Sí, y todos hemos aportado algo, la canción que canta mi personaje fue escrita por mí, también las experiencias con colegas en Xalapa que se dedican al show travesti nos ha brindado la oportunidad de darle un poco más de realismo a nuestro trabajo."

Entonces ha habido investigación
"Claro en teatro siempre tiene que haber un trabajo de investigación, posteriormente un trabajo de mesa y llegar a el trabajo de montaje."

¿Cómo ha construido usted a Marla?
"Fue a partir de el contacto con personas que se dedican a estos espectáculos que suelen ser homosexuales o muy emotivos. Estoy tratando de profundizar un poco más con este personaje, de hecho ya había hecho para mi trabajo de titulación un trabajo de construcción de personaje con un travesti, en esta ocasión he tratado de profundizar un poco más en la vida de este personaje."

¿Qué tal su equipo de trabajo y el trabajo con Barry?
"El maestro Rubén es excelente, realmente pocos músicos logran integrarse a la escena, no sólo nos corrigió cuestiones de voz sino también de emotividad realmente le imprimió mucha calidad al trabajo."

Muchas gracias y le deseamos mucho éxito.
"Gracias"

Entrevista a Rubén Barrientos

El ruidito de fondo es una categoría peyorativa a la que genios como Ralph Burns, John Kander o Fred Ebb se suscriben de forma injusta en conciencias burdas y superficiales como la mía, sin embargo hay ciertos genios que se hacen trabajando y domando la escena, el cuadro o las secuencias hasta que el acompañamiento se vuelve un proceso natural. Tal ha sido el caso a lo largo de los años del trabajo musical de Rubén Barrientos en la escena teatral y ahora nos comparte un poco de su experiencia en la obra She Male.

Dime Rubén, ¿qué nos has preparado para esta noche?
"Una combinación de muchas cosas, vamos a ir desde el electro dance hasta el jazz, hay algo de corte más o menos gitano, no es precisamente gitano, pero de ese estilo, dumm and bass, y otros diferentes estilos."

Tienes una ópera de tu autoría ¿no?
"La estamos terminando, sí."

¿Cómo has abordado este proyecto?
"Es difícil, yo al principio era una persona con muchos prejuicios, para empezar es la primera vez que compongo canciones, al menos tantas cancones para una misma cosa. la cuestión de la ópera es distinta: son personalias, situaciones diferentes, una canción tiene ciertas propiedades que la gente reconoce como una canción. Poco a poco me fui enamorando de la letra y de los personajes de como cada personaje reflejaba su personalidad y su vida, cada uno tiene su propia historia, el porque decidieron convertirse en travestis, destapar ese sentimiento que a veces reprimen, el sentirse mujeres y que debido al tipo de sociedad en que vivimos no pueden expresarse libremente pues los critican, humillan. Y cuando me di cuenta de que este esfuerzo trataba de cambiar eso pues decidí involucrarme, sabemos que esto no cambiará la conciencia de la gente pero al menos se las va a mover, y eso ya es ganancia, oyendo las canciones me doy cuenta que es una suplica, un escúchenos, un si estamos aquí y tenemos derecho a una vida tan normal como cualquiera porque somos seres humanos normales que sentimos de manera diferente. ¿por qué vamos a disfrazar esto?"

En el uso del termino ya hay algo degradante en cuanto a señalar que la persona "no es".
"La parte más sensible de la obra me parece la canción que enuncia “soy igual a ti”, y le preguntaba a una amiga ¿Cómo sentirías tú que un hombre te dijera que es igual que tú? si no cambiar la conciencia al menos conmoverla, si poco a poco se logra la tolerancia sería fabuloso."

¿Cómo es tu equipo de trabajo?
"De la música tan sólo mi computadora, de todo lo demás Víctor Toledo ha sido excelente, ha hecho muchísimo con lo poco que tenemos, pues no tenemos el apoyo absolutamente de nadie, hubo que conseguir diademas, consolas, podría jurar que sin su apoyo esto no estaría saliendo. Hay carencias, la música por ejemplo es grabada, tú sabes que nos encanta hacerlo mejor en vivo, pero en fin."

¿Algo qué quisieras agregar?
"Invitar a la gente a ver la obra, sé que es complicado tener un precio de 100 pesos en Xalapa, 70 para estudiantes, pero creo que si estamos dispuestos a abrir nuestras mentes deberíamos venir a ver lo que el teatro nos ofrece, no esperar a que nos den lo mismo, si nos van a ofrecer algo diferente ir y esperar algo diferente, que confronte nuestras ideas."

¿A ti te ha confrontado?
"Y me ha hecho mejor persona, sí. Si voy al teatro y me ofrecen una perspectiva diferente de como vivo mi vida e incluso me molesta salgo del teatro contento, porque ha valido a pena."

¿De qué te has alimentado para este producto musical Barry?
"No tuve tanta oportunidad de interactuar con muchas personas pero de mis amigos y contactos me nutrí de un amor, ellos, todos nosotros estamos llenos de amor... o llenos de odio. Para poder crear esas canciones tenía que estar pensando, no quiero sonar soberbio, pero hay que ser humilde porque cuando alguien escribe algo debe tener conciencia de que está sirviendo a algo, no me gusta ponerle nombre, y sirviendo a ese algo sientes que es algo que la gente busca porque es algo que desea, Amor al fin y al cabo, justicia o equidad. No sobreviviríamos si recibiéramos lo que merecemos, pero si podemos al menos luchar por recibir aquello que realmente deseamos."

Bueno Barry, muchas gracias.
"A ti, gracias."